Publicado en Fotografía

 

Quería que la gente sonriera cuando navega en mi perfil, quería sorprender a los visitantes con algunas ideas extrañas”: MichalKulesza.

Fotógrafo, diseñador y cineasta polaco, propietario del estudio TrzyZmiany. Con un gusto por el diseño simple y minimalista. Kulesza recrea los objetos cotidianos con bloques de LEGO, ha sido fanático desde muy pequeño y su creatividad ha logrado convertirse en un proyecto que viene trabajando desde noviembre del año que pasó.

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© Fotografía por Michal Kulesza

La serie muestra un conjunto de fotografías sencillas, haciendo del color vibrante un protagonista importante, jugando con la composición y gracias a los fondos neutros las imágenes son bastante llamativas y entretenidas.
"Creo que este es el mejor juguete que tenía cuando era un niño", dijo. “Construí mi primer juego de Lego cuando tenía 7 u 8 años... me encantan las posibilidades ilimitadas. Se puede construir absolutamente de todo. Desde un edificio sencillo hasta  máquinas complejas que realmente funcionan."

Su portafolio se puede observar en este enlace. 
https://tookapic.com/michalkulesza

10 Hand cream

06 Cheers

03 Christmas

© Fotografía por Michal Kulesza

 

Publicado en Diseño

 

Arte es una palabra que abarca un mundo de posibilidades, desde los pictogramas hasta las pinturas de los grandes exponentes conocidos, han dado la posibilidad de expresar una visión del mundo y hacer que trascienda en el tiempo.

Trabajar en colaboración con personas alrededor del mundo puede ser uno de los mayores riesgos de la modernidad y una de las más fascinantes aventuras.

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Visual Merchandinsing por Lawerta.

Jorge Lawerta es un reconocido ilustrador quien gracias a sus coloridas interpretaciones artísticas, se ha abierto paso en el mundo del diseño. Amante del fútbol, dibujante desde siempre, describe su obra como positiva, colorida y divertida; su intención no es otra que contar una pequeña historia, un chiste, una ironía o un juego de palabras.

La reconocida marca de ropa Berluti quiso dar a sus vitrinas un estilo diferente y atractivo, conectando las ilustraciones de Lawerta con sus diseños. Dando como resultado un visual fresco y divertido que permite entrar en algo similar a una exposición de Lawerta con la posibilidad de vestir la moda exclusiva de Berluti. Si eres un apasionado/a del diseño de exhibiciones y el visual merchandising sigue este enlace, tenemos una sorpresa para ti.

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Fuente: www.behance.net/lawerta

 

Publicado en Entrevistas

El prolífico diseñador británico habla sobre la nostalgia americana, ¿Por qué las salas de exposición están muertas y por qué la infelicidad es una característica clave para los diseñadores?

Tom Dixon es uno de los diseñadores más prolíficos e interesantes en la actualidad. Considerando uno de sus más recientes trabajos, el diseñador autodidacta inventó unos difusores de olor que destilan los aromas de diferentes zonas de Londres y París causando furor en Europa y Asia. —Su trabajo ha sido tan codiciado que incluso en el debut de Maison & Object en una de sus exposiciones, los asistentes estuvieron dispuestos a cargar ladrillos pesados todo el día; Dixon ha sorprendido al mundo con magníficos accesorios en estilo steampunk; muebles macizos y monolíticos con un toque industrial; un servicio elegante de café  y una sofisticada reunión en un bar de Atlanta, catalogada como la más exclusiva del mundo, entre otros.

Lo que unifica su trabajo es su obsesión por la fabricación y la manera en que un elemento es producido.

Dixon, se encontraba en Nueva York la semana pasada para una visita previa a su última colección llamada ‘iridiscencia’, inspirada en los colores y matices del aceite de motor cuando se mezcla con el agua formando charcos de colores. Conseguir un acabado consistente fue un reto, en el pasado experimento con arcilla, pinturas y materiales que cambian de color, pero los resultados fueron difíciles de replicar. Años después encontraría una manera de recubrir su obra con vidrio, produciendo el mismo efecto.

La revista Co.Design entrevistó a Dixon el martes de esta semana. En infinitylab tradujimos esta entrevista al español para que la puedan disfrutar todos nuestros lectores.

Co.Design habló con Dixon sobre cómo mantenerse vigente, el reto que es sostener ese aire moderno en su trabajo, lo que le  molesta  del mundo del diseño y cómo los nuevos métodos de producción y comercialización están afectando a la industria.



Usted abrió su primera tienda en Estados Unidos el pasado mes de noviembre. ¿Quién es su público objetivo? ¿Es más para los diseñadores profesionales o consumidores regulares de diseño?

Tom Dixon: En general, nos estamos moviendo globalmente mitad y mitad -mitad profesional y mitad consumidor amateur. Nosotros difícilmente hacemos nuestras propias ventas, somos una empresa mayorista. Mi formación es particularmente como comerciante. He tenido tiendas pequeñas, en mi juventud trabajé para ‘Hábitat’ durante 10 años y quedé fascinado con el contacto directo con los clientes.

Realmente no hago una distinción en ese sentido, entre los profesionales del diseño y los consumidores de diseño. Siempre he pensado que se ven muy similares a mí en realidad, incluso físicamente. Pueden hacerse a diferentes descuentos pero en el fondo todos son consumidores. Puede que sean solo estudiantes que lleguen a ser futuros consumidores de mis productos. El aspecto profesional frente al domestico está irrumpiendo ligeramente el modo en el que se compran las cosas actualmente, como sucede con internet.

¿Qué opina acerca de la idea confusa que se tiene del diseño en cuanto al trabajo, la vida, el comercio y la hotelería?

Las cosas tienen que hacerse de acuerdo con una especificación más alta si están en un hotel o en un restaurante. Tenemos que producir a un nivel ligeramente más alto si las cosas van a perdurar en un entorno hotelero o de alimentos y bebidas. Pero eso es bueno para los consumidores normales, —es una especie de discusión tipo "navaja suiza" —. Estoy feliz de que tengamos un mercado profesional, porque eso significa que tiene que ajustarse a una normativa —pruebas técnicas y demás. Pero a tu pregunta de si es confusa. Pienso que sí, lo es.

¿Hacia dónde ve que su empresa se está proyectando? ¿Cree que actualmente su empresa tiene un enfoque hacia el ‘lifestyle’ —por ejemplo el bar que abrió en Atlanta — o le sigue otorgando más relevancia a sus productos?

Nuestro negocio principal es el producto y sobre todo la venta al por mayor, pero también estamos haciendo más ventas directas y más diseño de interiores. Eso es algo que se ha convertido en una parte fundamental del negocio, ya que no solo nos permite probar ideas sino también  mostrar las cosas con más originalidad y eso nunca podrías hacerlo en una tienda minorista.

¿Si, somos una empresa enfocada en “dar estilo a la vida de las personas? Sí, a partir del diseño industrial. Diseñamos para la industria, porque estamos muy cerca de ella; viajamos a todas las fábricas para conseguir que las cosas se hagan bien. Desarrollamos la ingeniería del producto, así como su comercialización. —Creo que la mayoría de los diseñadores de productos en la actualidad se apartaron de todo eso.


Los diseñadores de moda están familiarizados con los medios de producción, cosen las cosas para saber cómo se hacen. Ellos mismos hacen las puntadas, cortan los moldes, saben tejer y estampar. También están familiarizados con la otra parte, que es la comunicación y la comercialización —siendo esta última la menor parte. La mayoría de los diseñadores de moda tienen una relación mucho más estrecha con cada proceso de la cadena productiva que los diseñadores de productos.

Todo lo que estoy haciendo es ser un diseñador más completo que retoma algunas de las  partes más difíciles de su trabajo. El diseño es suficientemente exigente, pero añadir a eso el almacenamiento y la comercialización del mismo también lo es.

¿Cuáles son las áreas de emprendimiento del negocio?

Negocias con plena libertad por un grado de control sobre tu propio destino, esa es la verdadera compensación. He probado un montón de maneras distintas para ser un diseñador integral, ninguna de las cuales fue particularmente satisfactoria. Siempre hay un lado negativo.

En mi caso, el inconveniente es que mientras te vuelves más grande, tienes que mostrar más en inventario y hacer las cosas en mayor cantidad. Pero comparado con otros diseñadores que tienen más capacidad de decidir cómo mantener todo unido, todavía siento celos, porque pueden trabajar en cualquier empresa (por ejemplo, electrónica o textil) y  no tienen que hacer la totalidad de las cosas.

Nunca estás realmente feliz como diseñador. Siempre estás en un estado perpetuo de insatisfacción. Ese es mi punto de vista y eso es lo que hace a un buen diseñador: el deseo de querer mejorar las cosas.

Aparte de la expresión “estilo de vida”. ¿Actualmente, qué cosas lo afectan en la industria del diseño y qué es lo que le emociona?

Creo que un gran reto para todos nosotros es preguntarnos, ¿Es legítimo poner más cosas en el mundo? Parece como que hay demasiadas cosas y eso es algo que me frustra. Lo que me entusiasma es que estamos en una revolución en la fabricación y la distribución.

Durante mucho tiempo, yo miraba hacia el pasado, diciendo que si tan solo pudiera trabajar en los años 1960 o 1920 sería fantástico, porque había materiales nuevos y nuevas formas de vivir. Pero creo que estamos viviendo en un momento increíblemente desafiante, pero apasionante desde el punto de vista de la fabricación y el diseño industrial. Creo que obviamente, esto empodera a las personas a hacer lo que hago. El costo de la comunicación, el envío de las cosas o aceptar dinero proveniente de todo el mundo, ha permitido que cualquier persona del mundo pueda efectivamente crear su propia marca e involucrarse en la industria del diseño.

Hay muchas maneras en las que los diseñadores están financiando su trabajo como plataformas de crowdfunding —y en consecuencia la venta de sus productos— así como sucede con compañías como FAB, Bezar y One Kings Lane. ¿Dónde cree que está el futuro del comercio en el diseño?

En particular para nuestro negocio, que es un negocio de interiores. —El viejo modelo de una sala de exposición profesional estilo SoHo, está muerto. Cada vez es más difícil abrir una tienda por esta razón tienes que encontrar modelos híbridos.

Creo que los modelos de colaboración son muy importantes, pero también es donde FAB y estas enormes infraestructuras son fascinantes. Estoy más interesado en la capacidad de un diseñador para introducir sus productos al mercado sin tener que comprometerse con el modelo antiguo que solía implicar enormes lotes de cosas hechas en economías de bajo costo.

Creo que tiendas como Etsy o eBay ofrecen la posibilidad de instantáneamente decirle al mundo entero lo que estás haciendo. Es una herramienta extraordinaria, pero en la actualidad muy pocos diseñadores la están utilizando de una manera efectiva.

Hay una convergencia de técnicas de fabricación digital que se acercan más a un nuevo segmento de clientes. La desventaja para los diseñadores es que cualquiera puede hacerlo, por lo que como resultado, genera mercados más competitivos. Si alguien tiene una idea original, la capacidad para difundirla por sí mismo nunca ha sido mayor, el problema está en saber cómo monetizar y cómo posicionarla.


¿Qué quiso presentar en su nueva colección?

En cierto modo, cambiamos por completo la forma en que hacemos las cosas y estamos tratando de ponerlas en marcha de una manera menos centralizada en Europa. Estados Unidos ha sido muy bueno para nosotros en los últimos años, mi conclusión es que a los Estados Unidos solo sacas, lo que entras en él. Así que, estoy entusiasmado en que estamos mostrando estos nuevos acabados en un lugar donde normalmente no los verías durante un año después de su presentación.

Estamos esforzándonos por no estar presentes solamente en Europa. Estados Unidos está cada vez más interesado en el diseño contemporáneo. Ha sido a través de una etapa que fue nostálgica, muy al estilo shabby chic y muy al estilo moderno de mitad de siglo. Creo que E.U. está dispuesto a volver a ser moderno, lo que es genial.

*Traducción realizada por Diana Ovalle Burgos.

INFINITYLAB 

Publicado en Proyectos

Una estructura metálica en forma de concha, es una de las últimas innovaciones de un grupo de investigadores de la NASA que busca retransmitir el sonido de los satélites que orbitan a nuestro planeta en la tierra.

Una tarea sencilla de realizar considerando la implementación de tecnologías electrónicas y digitales. En esta ocasión el equipo de NASA optó por desarrollar una tecnología análoga, más similar a un edificio que a una antena satelital, la tarea habría sido encomendada a KCA Studio, una oficina de diseño y arquitectura con sede en Nueva York. Vea también: Arquitectura en las nubes.

El proyecto es conocido en el mundo como ‘NASA Orbit Pavilion’ y cuenta con 102 metros cuadrados de área construida con el objetivo de retransmitir el sonido convergente de 17 satélites en la órbita terrestre. El resultado morfológico y arquitectónico conseguido por KCA y la NASA es simplemente sorprendente. 

El concepto fue inspirado en los caracoles marinos que permiten escuchar el sonido del océano al acercarlas al oído, dicen Jason Klimoski y Lesley Chang, directores del proyecto. Este pabellón arquitectónico explora esta idea, construyendo una armazón metálica a escala humana, que permite escuchar los sonidos captados en el espacio exterior por los satélites de la NASA, transformando dicha información en una experiencia acústica inmersiva y recreativa.

Es casi como escuchar una sinfonía de las estrellas sin abandonar el planeta, comenta Chang.

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Fotografía interna del pabellón 

Con más de 30 pies de diámetro, el pabellón fue construido con paneles de aluminio de propulsores acuáticos, que inscriben en su instalaciones los patrones de desplazamiento de los satélites a lo largo de sus orbitas.

El pabellón es coronado con un óculo en la cumbre para afianzar al edificio como una caja de resonancia, este es uno de los muchos efectos que se han utilizado a lo largo de la historia para crear cámaras musicales y auditorios.

El proyecto fue construido en 2015 y realizó su debut en el World Science Festival de Manhattan.

Publicado en Cine

Después de 10 años de trabajo en función de la promoción del cortometraje colombiano, In Vitro Visual y el Festival Internacional Vitro Visual se han transformado nominalmente en el Bogotá Short Film Festival / Festival de Cortos de Bogotá – BOGOSHORTS conservando su misión de formar un movimiento sólido en torno al corto como expresión vital para hacer posible una cinematografía nacional.

La evolución del festival es notoria, desde una pequeña muestra alternativa hasta llegar a un evento que recoge todas las características de una verdadera fiesta en torno al cine corto y donde Santa Lucia, la estatuilla oficial, será quien guíe a los nuevos directores. La figura de Santa Lucía, la virgen ciega, fue elegida como representación de la buena fe que se les desea a los nuevos realizadores que hacen parte del festival y que se aventuran a hacer cine en Colombia y el mundo.

Pero BOGOSHORTS no es solamente un evento, es todo un movimiento que nace en Bogotá para extenderse por el mundo con actividades tales como un circuito amplio, alternativo y continuo de exhibición en Bogotá – BOGOSHORTS sessions; el desarrollo de medios especializados -  BOGOSHORTS tv, news y magazine; y la construcción de actividades de fortalecimiento industrial, CORTO EN OBRA y por su puesto la apuesta por la circulación nacional e internacional con BOGOSHORTS WORLD TOUR, entre otras.

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FE en el CINE, FE en el CORTO y FE en BOGOTÁ. Son las propiedades del deseo por lograr una revolución en el campo del cortometraje, con una serie de momentos a lo largo del 2015 para generar una “movida” en torno al cine, más conocida por todos como BOGOSHORTS y que se llevará a cabo del 09 al 15 de diciembre de 2015.

El proceso de selección para la competencia oficial comenzó desde el 09 de abril cuando se abrió la convocatoria 2015 y se cerró el pasado 06 de agosto.

En esta ocasión se recibieron más de 3.600 cortometrajes de 112 países del mundo, cada uno de los cuáles han sido evaluados por el comité de selección del festival para escoger los cortometrajes que harán parte de Bogoshorts 2015. Este Comité está compuesto por Juan Concha, animador y director de Non Stop Barcelona – Festival Internacional de Animación; la documentalista colombiana Maritza Blanco; el realizador y periodista de la revista Rolling Stone Colombia, Rodrigo Torrijos; el director y guionista Juan Díaz; el montajista Sebastián Hernández; el productor Emmanuel Cely; así como los premiados directores de cortometrajes Juan Manuel Betancourt, Carlos Hernández y Felipe Suárez, así como el director artístico de BOGOSHORTS, Jaime E. Manrique.

El universo estético y narrativo elegido para esta edición, está bajo la dirección de Carlos Hernández, realizador de cine, televisión y director de fotografía, quien ha cosechado numerosos premios internacionales con cortometrajes como La vuelta de hoja, Marina la esposa del pescador y Flor. Hernández también ha dirigido comerciales para campañas de empresas como Renault, Axe, Unilever, Budweiser, Nestlé, Nokia, Telefónica, entre otras.

Algunos de sus trabajos más recientes han sido como director de fotografía y cámara en los largometrajes Buenaventura no me dejes más de Marcela Gómez (Colombia-Francia), producido por Laberinto Producciones y Caracol Televisión; Marimbula de Diana Cuellar (Colombia-Senegal), producido por Making Docs - FDC; las series documentales para TV Inside DEA LatinAmerica de Steve Hoggard, producida por Hoggard Films y National Geographic; 60 años de TV en Colombia de Felipe García-Peña, producida por Laberinto Producciones y Caracol Televisión; y NarcoTec, producida por MazDoc, Zodiac Latino y Univision.



En el comercial de BOGOSHORTS, Hernández nos muestra cómo Alicia está dispuesta a seguir al conejo a su madriguera, dándonos un abrebocas de lo que podemos esperar del 09 al 15 de diciembre en el 13 Festival de Cortos de Bogotá / Bogotá Short Film Festival – BOGOSHORTS: perder la cabeza de ver tantos cortometrajes.

La selección oficial está compuesta por varias categorías. Estos son los representantes de cada una de ellas:

COMPETENCIA NACIONAL FICCIÓN

- Sara, Ingrid Pérez – Colombia. 2015

- Se venden conejos, Esteban Giraldo – Colombia. 2015

- Becerra, Jerónimo Atehortúa – Colombia. 2015

- Mala maña, Fabián Hernández – Colombia. 2015

- Hombre, Juan Pablo Ríos – Colombia. 2015

- Camino del agua, Carlos Montoya – Colombia. 2014

- La ofrenda, Javier Gutiérrez y Greg Slagle – Colombia. 2015

- Los Kaotikos, Mauricio Leiva-Cock - Colombia. 2015

- Morir en Cali, Fernando Galeano – Colombia. 2015

- El diáfano, Marco Paredes – Colombia. 2015

- Niño de Metal, Pedro García-Mejía - México / Colombia. 2014

- El embudo, John Alberto Chaparro – Colombia. 2015

- El sabor que nos queda, Mónica Bravo – Colombia. 2015


COMPETENCIA NACIONAL DOCUMENTAL

- Cuadro, Daniel Mateo Vallejo – Colombia. 2014

- H2O, Jean Loui Camacho y Alejandro Calderón – Colombia. 2014

- Alzadas en letras, Andrés Camilo Poveda – Colombia. 2015

- Echo chamber, Guillermo Moncayo - Francia / Colombia. 2014

- La batalla del Nueve, William Fernando Martínez – Colombia. 2015

- Nostalgia del futuro, Mónica María Mondragón – Colombia. 2014

- Villas del progreso, Daniela Reyes y Alejandra Vanegas – Colombia. 2014


COMPETENCIA NACIONAL ANIMACIÓN

- Arena, Luisa López – Colombia. 2015

- Control Z, Eri Yojana Pedrozo y Jehisel Ruth Ramos – Colombia. 2014

- El espacio habitado, Camila Pérez – Colombia. 2014

- Sinfonía del viaje a la Luna, Sandra Reyes – Colombia. 2014

- Zipacón, María Paulina Ponce – Colombia. 2015



COMPETENCIA NACIONAL VIDEOCLIP

- A tu manera (Herencia de Timbiquí), Jose Varón – Colombia. 2015

- Antes de morir (LosPetitFellas Ft. Denise Gutiérrez), Christian Schmidt – Colombia. 2015

- La palmera voladora (Milmarías), Christian Schmidt – Colombia. 2015

- Pensar y pensar (Las Áñez y Edson Velandia), Jerónimo Sarmiento – Colombia. 2015

- Exploradora (Elsa y Elmar), Sublime Melodía – Colombia. 2015

- Madafunkies (Crew Peligrosos), Camilo Echeverri – Colombia. 2015

- Bembé (Sultana ft. La Ru-k), Jaime Osorio – Colombia. 2014

- Sombras (Telebit), Fluxus, Árbol Naranja – Colombia. 2014

- Jaguar (Pablo Trujillo), Sergio Manrique – Colombia. 2015

- Apiádate (Nigga, Fumaz Bolivar, Garo, Lince), Mario Grande – Colombia. 2014

- Inventándome (Estados Alterados), Pascui Rivas – Colombia. 2015



COMPETENCIA INTERNACIONAL FICCIÓN

- Champion (Campeón), Måns Berthas - Suecia. 2015

- Хорошо бродить по свету (It is good to wander the world / Es bueno deambular por el mundo), Denis Spiridonov - Rusia. 2015

- Blood below the skin (Sangre bajo la piel), Jennifer Reeder - Estados Unidos. 2015

- Another empty space (Otro lugar vacío), Davi de Oliveira Pinheiro - Brasil. 2015

- Ranga, Nikhil Talegaonkar -         India. 2015

- Lifeline (Línea de vida), Bin Li - China. 2015

- Mamci i udice (Baits and hooks / Cebos y anzuelos), Luka Popadic - Serbia. 2014

- Zero M2, Matthieu Landour - Francia. 2015

- Nueva vida (New life), Kiro Russo -        Argentina. 2015

- Matka Ziemia (Mother Earth / Madre Tierra), Piotr Zlotorowicz -    Polonia. 2014

- Listen (Escucha), Hamy Ramezan - Dinamarca. 2014

- Triuksmadarys (The noisemaker / El Ruidoso), Karolis Kaupinis - Lituania. 2014

- Før våren (Before spring / Antes de la primavera), Mary Hasavari - Noruega. 2015

- Sumo Road - The Musical (Sumo Road - El Musical), Ken Ochiai - Japón.     2015

- Ghettotube, Saïd Belktibia - Francia. 2015

- 600$, Oriol Cardus - España. 2014

- A győztes (The winner / El ganador), Dávid Géczy - Hungría. 2014

- Coro dos amantes (Chorus / Coro), Tiago Guedes - Portugal. 2014

- Bellissima (Gorgeous / Bellísima), Alessandro Capitani - Italia. 2015



COMPETENCIA INTERNACIONAL DOCUMENTAL

- Punkt wyjścia (Starting point / Punto de partida), Michał Szcześniak - Polonia. 2014

- London reflects (Reflejos de Londres), Javier Dampierre, Jokin Pascual - España. 2015

- Le boudin, Salomé Lamas - Portugal. 2014

- A girl's day (El día de una chica), Rosa Hannah Ziegler - Alemania. 2014

- Blue signal (Señal azul), Michael Yaroshevsky - Canadá. 2014

- Cavernicole (Cave man / Cavernícola), Ombline Ley - Francia. 2015

- Chellina / da Beast, Zoeteke Lugthart - Países Bajos. 2014

- Una storia normale (A normal story / Una historia normal), Michele Vannucci - Italia. 2015

- Dotyk wolności (Touch of freedom / Un toque de libertad), Arshad Sardar Khan - Polonia. 2015

- Isfilma par dzivi (Short film about life / Cortometraje sobre la vida), Laila Pakalnina - Letonia. 2014

- Ik laat je gaan (Letting you go / Dejarte ir), Kim Faber - Países Bajos. 2014

- Incendio/Rescate (Fire/Rescue), Juan Renau - Argentina. 2015

- The funeral Singer (El cantante de funerales), Thanh Hoang, Vietnam. 2015

- No news from home (Sin noticias de casa), Patrick Zocco - Francia. 2015

- Mister James (Señor James), Hannes Schilling - Israel. 2015



COMPETENCIA INTERNACIONAL ANIMACIÓN

- A single life (Una vida sencilla), Job Roggeveen, Joris Oprins, Marieke Blaauw - Países Bajos. 2014

- Face (Rostro), Jurgis Krasons - Letonia. 2014

- Changeover, Mehdi Alibeygi - Irán. 2014

- Das Leben ist hart (Life is hard / La vida es dura), Simon Schnellmann. Alemania. 2015

- El modelo de Pickman (Pickman's model), Pablo Ángeles - México. 2014

- Grouillons nous (Hurry up / Apúrense), Margot Reumont - Bélgica. 2015

- Go to City ELE (Go a Ciudad ELE), Wenyu Li - China. 2015

- Razgovor (Conversation / Conversación), Ana Horvat - Croacia. 2015

- My grandfather was a cherry tree (Mi abuelo era un cerezo), Tatiana Poliektova, Olga Poliektova - Rusia. 2015

- Respirer sous l'eau (Breathing under water / Respirando bajo el agua), Gwendoline Gamboa - Bélgica. 2015

- Очень одинокий петух (Very lonely cock / Un gallo muy solitario), Leonid Shmelkov, Rusia. 2015

- Druciane oprawki (Woolen cogwheels / Engranajes de lana), Bartosz Kedzierski - Polonia. 2014

- 低头人生 (Life Smartphone / Vida Smartphone), Lin Xie Cheng - China. 2015

- Smart monkey (Mono astuto), Vincent Paronnaud, Nicolas Pawlowski - Francia. 2014

- You know me (Tú me conoces), Yagnik Raj - Jordania. 2015

- Somewhere down the line (En algún lugar más allá), Julien Regnard - Irlanda. 2014

- Wpływ zmniejszenia populacji chrzęszczyka złocistego na życie miłosne pani Krystyny (What impact does the decrease of the population of beetler platinus takes on Christina's love life? / ¿Qué impacto tiene la disminución de la población de beetler platinus en la vida amorosa de Christina?), Marta Magnuska - Polonia. 2014

- Sous tes doigts (Under the fingers / Bajo los dedos), Marie-Christine Courtès - Francia. 2015

- Portrait of a wind-up maker (Retrato de un juguetero), Darío Pérez - España. 2015

- Tigres à la queue leu leu (Tigers tied up in one rope / Tigres amarrados en una cuerda), Benoît Chieux - Francia. 2014

- Yöperhonen (Nocturnal butterfly / Mariposa nocturna), Annika Dahlsten - Finlandia. 2015

- Zápletka (The entangled / Los enredados), Stanislav Sekela - República Checa. 2014

- Zimbo, Juan Medina, Rita Basulto - México. 2015

- Shift, María Cecilia Puglesi, Yijun Liu - Estados Unidos. 2015



COMPETENCIA INTERNACIONAL EXPERIMENTAL

- Središte vremena (In the center of time / En el centro del tiempo), Zeljko Saric - Croacia. 2015

- Revulshk!, Julia Bouteville - Francia. 2014

- 2.57k, Eva Colmers - Canadá. 2015

- 34, Emilie Berteau, Voinot Julien - Francia. 2014

- Un homme sans (A man without / Un hombre sin), Frédéric Hainaut - Bélgica. 2014

- Ignition (Ignición), Lotti Bauer. Suiza, 2015

- Corpus, Marc Hericher - Francia. 2015

- All rot (Toda la prodredumbre), Max Hattler - Reino Unido. 2015

- A place I've never been (Un lugar en el que nunca he estado), Adrian Flury - Suiza. 2015

- Paradies (Paradise / Paraíso), Max Philipp Schmid, Suiza. 2015

- Mar de fogo (Sea of fire / Mar de fuego), Joel Pizzini - Brasil. 2014

- A.D.A.M., Vladislav Knezevic - Croacia. 2014

- José, Natalia Behaine - Colombia. 2015


COMPETENCIA INTERNACIONAL VIDEOCLIP

- Wild frontier (The Prodigy), Mascha Halberstad - Países Bajos. 2015

- Rafael Castro: Ciúme (Rafael Castro), Daniel Bruson - Brasil. 2015

- Ice fist (Vampillia), Toshikazu Tamura, Ai Sugaya - Japón.      2014

- In the pines (St.Lô.), Olya Tsoraeva, Bélgica. 2014

- Nunca es suficiente (Natalia Lafourcade), Martín Bautista - México. 2015

- Señorita (Vince Staples), Ian Pons Jewell - Estados Unidos. 2015

- Glore (Radkey), Nicos Livesey - Estados Unidos. 2015

- Stonefist (Health), NAKED FACES (Kitao Sakurai and Andrew Barchilon) - Estados Unidos. 2015

- New coke (Health), John Famiglietti - Estados Unidos. 2015

- Alas de hierro (The chamamas), Julio Abad y Oliver G. Tavizón - Estados Unidos, México. 2015

Todas estas grandes piezas serán proyectadas en varios escenarios de la ciudad:

· Cine Tonalá Bogotá 

Sede Oficial Sala Tonalá - Sala Kubrick - Carrera 6 No 35 - 37

· Cinemateca Distrital de Bogotá

Carrera 7 No 22 - 79

· Sala Fundadores - Universidad Central

Calle 22 No 5 - 91

· Planetario de Bogotá

Calle 26B No 5 - 93

· Museo Nacional de Colombia

Carrera 7 No 28 - 66

· Biblioteca Nacional de Colombia

Calle 24 No 5 - 60 - Hall Central

· Teatro El Parque - Parque Nacional

Carrera 5 No 36 - 05

· Teatrino Jorge Eliécer Gaitán

Carrera 7 No 22 - 47

· Centro Ático - Universidad Javeriana

Calle 40 No 6 - 39

· Espacio Odeón

Carrera 5 No 12C – 73

· Centro Cultural Gabriel García Márquez

Calle 11 No 5 - 60

· Especial BOGOSHORTS degusta:  Salvo Patria

Calle 54a No 4 - 13

Publicado en Diseño


Además de ser un elemento indispensable en una construcción vertical con más de un nivel. La función principal de una escalera es servir como vía de acceso y circulación entre las diferentes plantas de una edificación, pero con el avance del diseño y la necesidad constante por proyectar espacios más agradables, la escaleras han ido evolucionando como hitos de referenciación, ocupando un lugar privilegiado en la visual de los sitios que visitamos a diario, convirtiéndose en ejemplos de estética y funcionalidad.

Es por esta razón que hoy traemos una compliación de 20 diseños de escaleras extraordinarias que a nuestro parecer todo diseñador debe conocer.

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 1.   Escalera metálica de mano

Clásica y funcional, una escalera tipo industrial, usada en un espacio hogareño, hace que dicho contraste genere distinción en la distribución de la casa.

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2.   Escalera que deriva de las paredes y guarda-escobas

Un escalera sin limite definido entre las paredes y su base, este diseño de forma organica genera una vista agradable, debido a la conexión de los espacios y la curvas de la madera.

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3.   Escaleras en conexión

Una escalera que se conecta con el segundo nivel dispuesto en una sola pieza, que sirve además como un gran espacio de lectura o descanso.

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4.    Escalera con cajonera en el vacío

Una escalera clásica de madera, que aprovecha el espacio bajo la misma con una serie de cajones para almacenar diversos artículos del hogar.

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5.    Escalera de caracol

Una escalera de una sola pieza, elaborada con madera maciza, sin duda un gran atractivo para el espacio y un magistral de carpintería.

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6.    Escalera enramada

La construcción de la escalera es convencional, la diferencia la hace su baranda que desde las raíces hasta las ramas secas genera un ambiente arbóreo.

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7.    Escalera decorada en el exterior

El revestimiento de la escalera incluye una paleta de colores diversa que contrasta con la iluminación natural del espacio.

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8.    Escalera biblioteca

La combinación perfecta para los amantes de la lectura.

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9.    Escalera de caracol en forma de remo

Vista desde arriba, es más que magnífica.

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10.    Escalera del terror

En apariencia se ve desalineada e insegura, gana puntos por su diseño audaz y creatividad.

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11.    Escalera con tobogán

En una sola palabra divertida.

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12. Escalera Vertebrada

Literalmente la viga principal de esta escalera, representa una columna vertebral que sostiene cada escalón y da forma los barandales.

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13. Escalera troquelada

Una escalera laminada con un troquelado ornamental en sus extremos de los escalones, proyectando la luz para crear un interesante juego de sombras.

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14.  Escalera empotrada a la pared

Escalones negros, paredes blancas, una concepción minimalista y distinguida para una escalera.

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15. Escalera de huella transversal

Diseñada a partir de una ilusión óptica, esta escalera de madera con escalones transversales es una auténtica novedad.

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16.    Escalera de curvas futuristas

Volúmenes curvos que componen los escalones y que dan la sensación de movimiento hacen que esta escalera sea una escultura para subir de nivel.

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17.    Escalera de huella vertical

Cuando no hay suficiente espacio como para introducir una escalera con inclinación convencional, este sistema escalonado puede hacer la diferencia.

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18.    Escalera de cristal para deslizarse

La luz y distinción que ofrece el cristal con toque de diversión para los pequeños de la casa.

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19.    Escalera con gabinetes

Cajoneras múltiples en las huellas y contrahuellas abundan en esta escalera multi-propósito.

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20.    Super Escalera + Biblioteca + Tobogán

Educativa, divertida, lúdica y funcional. Sin duda una escalera que lo tiene todo para disfrutar.

 

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Es posible que cualquier diseñador, artista visual o alguien vinculado con las artes gráficas, al escuchar el nombre ‘Panton’ lo confunda de inmediato con la afamada paleta de colores utilizada en las litografías. Vale aclarar en este punto, que el nombre de la paleta es “Pantone®” y que el Panton de quién ahora se desea hablar, es de Verner, un diseñador Danés que rompió el molde en los años 60’s y aún hoy debería ser recordado por las fantásticas piezas de mobiliario que trajo al mundo algunas décadas atrás. Disponible en nuestro catalogo este clásico del diseño.

Verner Panton fue un arquitecto en la piel de un maravilloso diseñador que anhelaba ser un artista. Ecléctico incluso para el amable movimiento modernista Danés, Panton es el resultado de una especial convergencia de situaciones; nacido 1926 en el seno de una familia de caseros de Gantofte, un pequeño pueblo de la isla de Fionia, mostró interés por el arte, aunque no tuviese particular talento para el dibujo o la pintura, probablemente lo que cualquier mentor habría buscado. No obstante para el año de 1944 se ganó un lugar en la escuela técnica de Odense, pero como tantos otros genios del siglo pasado, se vio golpeado por los albores de la Segunda Guerra mundial y sólo hasta el final de ella pudo terminar sus estudios. En 1947 se traslada a Copenhage y se inscribe en la Real Academia Danesa de Bellas Artes como estudiante de arquitectura.

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Durante sus estudios en arquitectura Panton estableció valiosas relaciones con colegas y profesores, destacando entre ellas la conexión con su maestro Poul Henningsen quien lo introduce al diseño de producto y quien poco después se convierte también en su suegro, aunque esta relación con Tove Kemp, la hija de Henningsen, terminara poco después.

Panton también tuvo una relación profesional bastante valiosa con Arne Jacobsen, trabajó con el en distintos proyectos donde la investigación obsesiva de nuevo materiales por parte de Jacobsen inspiraron a Verner para sus posteriores trabajos.

Después de su asociación con Jacobsen y de comprar una camioneta Volkswagen, Panton decide irse de viaje por toda Europa. Este viaje marca su carrera, pues logra hacer contactos beneficiosos para su trabajo y posiblemente la experiencia de este viaje haya marcado también su estilo como diseñador.

Los primeros diseños producidos por Panton a decir verdad no marcan mucho el estilo por el cual es ahora reconocido. La primera producción fue junto con Fritz Hansen, la Silla Bachelor, la cual fue manufacturada en 1955 y posteriormente la silla Tivoli, ambas son construcciones minimalistas, con colores tenues y de tubos de acero. Nada que ver con la icónica silla Cono.

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Bachelor Chair, Verner Panton, 1955. © 2012 The Milanese

trivoli 1955Tivoli Chair, Verner Panton, 1955.

Sin duda, la Silla Cono (1959) marcó la carrera de Panton, muestra de ello es que el lanzamiento de la silla en la 5ta Avenida de New York causó tanto tráfico que la policía solicitó que retiraran la silla de la vitrina. Este era el inicio de un periodo visionario y distintivo para su carrera y para lo que es el diseño hoy, tanto así, que muchas de sus creaciones son consideradas atemporales y siguen siendo parte de las vitrinas de las tan mal llamadas, tiendas de diseño.

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Verner Panton sentado en la Silla Cono, 1961. © Panton Design, Basel

El trabajo de Verner Panton se extiende por algunas lindes del diseño, desde diseño de textiles creando patrones para diseño de interiores, mobiliario e iluminación, hasta la creación de muebles que causaron revuelo, como la Silla Flying, que poco después de haberla diseñado, un fabricante alemán sugirió hacer una recolecta de dinero para pagarle por el resto de la vida a Panton con tal de que nunca más diseñara un mueble, y ni qué decir de la Silla Panton, probablemente su más conocida creación, producida por Vitra presentada en 1976 y parte de la colección permanente del MoMA. La iluminación, aunque actualmente no es reconocido por ello, también es una faceta significativa, pues recuerda la atención que prestaba Verner en el uso de materiales. Así mismo el diseño de interiores donde expone y explota sin temor su preciado conocimiento en arquitectura y en su mayor interés, el color.

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Silla Flying, Verner Panton, 1963/1964. © Panton Design, Basel

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Silla Panton, Verner Panton, 1959. © Archiv Vitra Design Museum, Weil am Rhein

Un día le preguntaron a Panton: ¿Qué es más importante, la forma o el color? Es probable que haya pensando en el color, aún así, nunca dejó de lado la forma, y mucho menos esa curiosidad que adquirió de Jacobsen, la investigación de materiales. Todo esto, su estudio en arquitectura, su anhelo por ser artista, su conocimiento en diseño de producto y la compañía de su consejera y esposa desde 1962, Marianne Panton lo llevó a ser una mezcla perfecta para convertirse en lo que es hoy, un hito en el diseño que viajaba en una Combi.

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Verner Panton con su esposa e hija en la Living Tower. © Panton Design, Basel

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La arquitectura puede ser tan efímera y transitoria como las mismas nubes. Navega por las sensaciones, por la creación de mundos de distintos colores en donde la emoción y la experiencia juegan un papel equitativo en la generación de espacios para vivir, experimentar o navegar.

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 © Head in the Clouds Pavilion

Sobre esta sensación de Nirvana y ese deseo latente que la humanidad ha tenido de poder volar, la firma STUDIOKCA diseña este proyecto llamado “The head in the Clouds Pavillion”.

Durante el verano del 2013 en Nueva York, fue construida esta instalación con las manos de más 200 voluntarios como un pabellón en donde podían convivir los sueños de las personas que viven en la ciudad que jamás duerme y que siempre sueña.

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© Head in the Clouds Pavilion

Para la construcción de esta arquitectura efímera se utilizaron 53,780 botellas recicladas, arena, agua y aluminio curvado para la concepción de la estructura, creando  así, una forma que responde visualmente y literalmente a una nube blanca en la mitad de la ciudad, a la cual podían ingresar los visitantes y tener la sensación de estar dentro de una nube. 

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© Head in the Clouds Pavilion

Para el verano de 2014 STUDIOKCA creó de nuevo un proyecto en la misma ciudad que esta vez se llamó “Comet lands in Brooklyn”. Una estructura dinámica que trabajaba también la relación espacial y simbólica de la “Gran Ciudad” con el resto del universo.

Publicado en Arquitectura

The V-A-C Foundation seleccionó al arquitecto italiano Renzo Piano para convertir la central eléctrica GES2 en un centro cultural al servicio de la ciudad.

Localizada al suroeste de Moscú, este nuevo centro cultural conservará la identidad arquitectónica de la antigua planta nuclear. Desde su color hasta su estructura industrial, la renovación contempla la construcción de diversos espacios diáfanos, llenos de luz y movimiento en donde las personas puedan recorrer libremente cada uno de los espacios del proyecto.

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© Imagen Corte Fachada VCA Foundation

La planta nuclear que entró en funcionamiento en 1954 en Obninsk (Rusia) presentaría errores en su diseño comprometiendo la seguridad de los habitantes de la pequeña ciudad, por esta razón cambiaria de uso para transformarse en un museo en el 2002 y posteriormente en centro cultural en 2015.

Los centros culturales son espacios fundamentales para el enriquecimiento de las artes universales dentro de una sociedad y en consecuencia con esta filosofía, el centro cultural espera apoyar una población estimada de 106.000 habitantes.

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© Imagen Fachada VCA Foundation

El espacio compuesto principalmente por materiales como el acero y el vidrio, cuenta con varias  zonas de recepción que permiten una excelente distribución hacia todas las áreas del proyecto. El centro cultural cuenta también con múltiples jardines, una biblioteca, servicios de cafetería, librería, restaurante y un gran auditorio. 

El área de exposiciones, es un espacio flexible que alberga diferentes colecciones artísticas abiertas a todo los públicos. Este módulo dentro del complejo cuenta también con espacios destinados a la educación, residencias artísticas y aulas en donde se impartirán diversos cursos y talleres.

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© Imagen interior VCA Foundation

Una de las opciones considerada por el arquitecto, fue rodear el edificio principal con una plaza vegetal con más de 100 abedules.

El centro cultural además de su gran diseño rodeado por un anfiteatro natural promueve el contacto con la naturaleza. El proyecto es auto-sostenible y cuenta con un sistema de ventilación natural aprovechando las chimeneas existentes, propiciando una reducción en el consumo energético del complejo cultural; además de apoyarse en sistemas de generación de energía limpia como paneles solares y energía geotérmica.

Se estima que la construcción de la obra comience en el año 2019. 

05 © Imagen boceto sistema ventilación - VCA Foundation

 

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Salvador Dalí es conocido por sus pinturas, esculturas, grabados y escritos. También es conocido por su trabajo en el cine al lado de Luis Buñuel, siendo co-escritor de Un perro andaluzLa edad de oro y por otros trabajos en este campo como director, actor, escenógrafo, director de arte y algo tal vez menos conocido, como diseñador de vestuario.

Aún siendo esta última faceta la menos renombrada o popular de Salvador Dalí, este personaje surrealista estuvo más cerca de la moda, o del diseño vestuario de lo que se hubiese pensado.

Hace 50 años Salvador Dalí diseñó, para el fabricante de ropa Jack A. Winter, una amplía colección que incluía trajes de baño, ropa deportiva y vestidos de coctel para la colección de otoño de 1965. Estos diseños se exhibieron el mismo año en una exposición en París, que lastimosamente no llegaron a producirse.

Salvador Dalí

Boceto 01 - Salvador Dalí

Actualmente se exhiben seis diseños en la Galería Mayoral de Barcelona y aunque se desconoce el número exacto de trajes creados para esta colección, los atuendos expuestos, representan sin duda la esencia de Dalí.

Diversas técnicas en cada uno de los dibujos, carbón, lápiz, tinta china, collage y acuarela. Títulos como “Imperio Daliniano” y “Diseño para un vestido de tenis”; y comentarios manuscritos por Dalí, generalmente en lápiz y en francés que dicen cosas como: “Prohibido para aquellas que tengan pecho”, "Si Mr. Winter entiende esto tendremos la moda por diez años" y “Todo ha de ser inquisitorial y revisado por Dalí” o detalles sumamente precisos acerca de los textiles a usar, las texturas y los botones, recuerdan no solo el egocentrismo, del que recibió tantas críticas, sino del absoluto control, de la perfección y excelencia que tenía ese bigote erguido, magistral curva que aún hoy solo puede evocar a Salvador Dalí.

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Boceto 03 - Salvador Dalí

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Boceto 03 - Salvador Dalí

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