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Es posible que cualquier diseñador, artista visual o alguien vinculado con las artes gráficas, al escuchar el nombre ‘Panton’ lo confunda de inmediato con la afamada paleta de colores utilizada en las litografías. Vale aclarar en este punto, que el nombre de la paleta es “Pantone®” y que el Panton de quién ahora se desea hablar, es de Verner, un diseñador Danés que rompió el molde en los años 60’s y aún hoy debería ser recordado por las fantásticas piezas de mobiliario que trajo al mundo algunas décadas atrás. Disponible en nuestro catalogo este clásico del diseño.

Verner Panton fue un arquitecto en la piel de un maravilloso diseñador que anhelaba ser un artista. Ecléctico incluso para el amable movimiento modernista Danés, Panton es el resultado de una especial convergencia de situaciones; nacido 1926 en el seno de una familia de caseros de Gantofte, un pequeño pueblo de la isla de Fionia, mostró interés por el arte, aunque no tuviese particular talento para el dibujo o la pintura, probablemente lo que cualquier mentor habría buscado. No obstante para el año de 1944 se ganó un lugar en la escuela técnica de Odense, pero como tantos otros genios del siglo pasado, se vio golpeado por los albores de la Segunda Guerra mundial y sólo hasta el final de ella pudo terminar sus estudios. En 1947 se traslada a Copenhage y se inscribe en la Real Academia Danesa de Bellas Artes como estudiante de arquitectura.

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Durante sus estudios en arquitectura Panton estableció valiosas relaciones con colegas y profesores, destacando entre ellas la conexión con su maestro Poul Henningsen quien lo introduce al diseño de producto y quien poco después se convierte también en su suegro, aunque esta relación con Tove Kemp, la hija de Henningsen, terminara poco después.

Panton también tuvo una relación profesional bastante valiosa con Arne Jacobsen, trabajó con el en distintos proyectos donde la investigación obsesiva de nuevo materiales por parte de Jacobsen inspiraron a Verner para sus posteriores trabajos.

Después de su asociación con Jacobsen y de comprar una camioneta Volkswagen, Panton decide irse de viaje por toda Europa. Este viaje marca su carrera, pues logra hacer contactos beneficiosos para su trabajo y posiblemente la experiencia de este viaje haya marcado también su estilo como diseñador.

Los primeros diseños producidos por Panton a decir verdad no marcan mucho el estilo por el cual es ahora reconocido. La primera producción fue junto con Fritz Hansen, la Silla Bachelor, la cual fue manufacturada en 1955 y posteriormente la silla Tivoli, ambas son construcciones minimalistas, con colores tenues y de tubos de acero. Nada que ver con la icónica silla Cono.

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Bachelor Chair, Verner Panton, 1955. © 2012 The Milanese

trivoli 1955Tivoli Chair, Verner Panton, 1955.

Sin duda, la Silla Cono (1959) marcó la carrera de Panton, muestra de ello es que el lanzamiento de la silla en la 5ta Avenida de New York causó tanto tráfico que la policía solicitó que retiraran la silla de la vitrina. Este era el inicio de un periodo visionario y distintivo para su carrera y para lo que es el diseño hoy, tanto así, que muchas de sus creaciones son consideradas atemporales y siguen siendo parte de las vitrinas de las tan mal llamadas, tiendas de diseño.

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Verner Panton sentado en la Silla Cono, 1961. © Panton Design, Basel

El trabajo de Verner Panton se extiende por algunas lindes del diseño, desde diseño de textiles creando patrones para diseño de interiores, mobiliario e iluminación, hasta la creación de muebles que causaron revuelo, como la Silla Flying, que poco después de haberla diseñado, un fabricante alemán sugirió hacer una recolecta de dinero para pagarle por el resto de la vida a Panton con tal de que nunca más diseñara un mueble, y ni qué decir de la Silla Panton, probablemente su más conocida creación, producida por Vitra presentada en 1976 y parte de la colección permanente del MoMA. La iluminación, aunque actualmente no es reconocido por ello, también es una faceta significativa, pues recuerda la atención que prestaba Verner en el uso de materiales. Así mismo el diseño de interiores donde expone y explota sin temor su preciado conocimiento en arquitectura y en su mayor interés, el color.

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Silla Flying, Verner Panton, 1963/1964. © Panton Design, Basel

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Silla Panton, Verner Panton, 1959. © Archiv Vitra Design Museum, Weil am Rhein

Un día le preguntaron a Panton: ¿Qué es más importante, la forma o el color? Es probable que haya pensando en el color, aún así, nunca dejó de lado la forma, y mucho menos esa curiosidad que adquirió de Jacobsen, la investigación de materiales. Todo esto, su estudio en arquitectura, su anhelo por ser artista, su conocimiento en diseño de producto y la compañía de su consejera y esposa desde 1962, Marianne Panton lo llevó a ser una mezcla perfecta para convertirse en lo que es hoy, un hito en el diseño que viajaba en una Combi.

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Verner Panton con su esposa e hija en la Living Tower. © Panton Design, Basel

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Salvador Dalí es conocido por sus pinturas, esculturas, grabados y escritos. También es conocido por su trabajo en el cine al lado de Luis Buñuel, siendo co-escritor de Un perro andaluzLa edad de oro y por otros trabajos en este campo como director, actor, escenógrafo, director de arte y algo tal vez menos conocido, como diseñador de vestuario.

Aún siendo esta última faceta la menos renombrada o popular de Salvador Dalí, este personaje surrealista estuvo más cerca de la moda, o del diseño vestuario de lo que se hubiese pensado.

Hace 50 años Salvador Dalí diseñó, para el fabricante de ropa Jack A. Winter, una amplía colección que incluía trajes de baño, ropa deportiva y vestidos de coctel para la colección de otoño de 1965. Estos diseños se exhibieron el mismo año en una exposición en París, que lastimosamente no llegaron a producirse.

Salvador Dalí

Boceto 01 - Salvador Dalí

Actualmente se exhiben seis diseños en la Galería Mayoral de Barcelona y aunque se desconoce el número exacto de trajes creados para esta colección, los atuendos expuestos, representan sin duda la esencia de Dalí.

Diversas técnicas en cada uno de los dibujos, carbón, lápiz, tinta china, collage y acuarela. Títulos como “Imperio Daliniano” y “Diseño para un vestido de tenis”; y comentarios manuscritos por Dalí, generalmente en lápiz y en francés que dicen cosas como: “Prohibido para aquellas que tengan pecho”, "Si Mr. Winter entiende esto tendremos la moda por diez años" y “Todo ha de ser inquisitorial y revisado por Dalí” o detalles sumamente precisos acerca de los textiles a usar, las texturas y los botones, recuerdan no solo el egocentrismo, del que recibió tantas críticas, sino del absoluto control, de la perfección y excelencia que tenía ese bigote erguido, magistral curva que aún hoy solo puede evocar a Salvador Dalí.

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Boceto 02- Salvador Dalí

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Boceto 03 - Salvador Dalí

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Boceto 03 - Salvador Dalí

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Desde hace unos años vengo siguiendo a Paola Rojas en Facebook, he visto como ha crecido, se ha mantenido y cómo se ha apropiado a través de la fotografía de la forma, el color y un objeto particular, el espejo.

Hace unos días Silvia Martínez dio a conocer un poco sobre quién es Paola Rojas, ahora conoceremos un lado de Paola que de seguro ya hemos visto, pero no se había evidenciado. Paola Rojas a través de sus fotografías. Lea También: Entrevista con Paola Rojas. 

 ¿Quién es Paola Rojas? 

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¿Cuál es tu color preferido?

Cian.

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 ¿Cuál es tu objeto preferido?

 

Espejos.

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¿Cuál ha sido tu fotografía preferida? 

4

 ¿Cuál es el significado de la fotografía en tu vida?

Yo creo que es mi medio de catarsis,  puedo plasmar todo lo que me pasa, pienso y siento, además que me permite acercarme a todas esas cosas que me llaman la atención, como los colores, la semiótica, el cuerpo ,los objetos .. etc

5

 ¿Cómo ha sido la experiencia de exponer en Corea?

Es muy gratificante. Realmente nunca pensé que algo así pasaría.

¿Qué esperas de la fotografía para un futuro?

Personalmente, pienso que la fotografía siempre será mi reto , espero seguir creciendo, aprendiendo y llevar las fotografías a otros espacios.

 

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Yo soy de esas personas que no sirve de guía turística ni en su ciudad natal. Me pierdo dándole la vuelta a la cuadra, y si pintan de otro color las casas y además de eso le construyen un piso de más o le quitan otro, ya no se ni dónde estoy parada –digamos que estoy exagerando-.

Realmente he recorrido ciudades desconocidas sin perderme gracias a Google Maps, armando mapas y rutas previas, pero es un lío eso de andar con hojitas llenas de apuntes o en su defecto, mirando un smartphone.

Dominic Wilcox podría solucionarme ese problema de andar perdida. Creó un prototipo completamente funcional, un par de zapatos que lo pueden guiar por cualquier parte del mundo donde se encuentre.

Los zapatos constan de una pieza de software de cartografía, un cable USB y un GPS que se inserta en el talón, estos, se conectan con anterioridad al computador y se crea la ruta de viaje. A continuación se activa el GPS y a través de un anillo de luces LED el zapato señala la dirección a la cual uno se debe dirigir, el otro zapato, muestra qué tan cerca está usted de su destino a través de una barra de progreso. Unos zapatos ingeniosos y con mucho estilo, que pueden replicarse en casi cualquier modelo de calzado pero que sobre todo lo puede salvar de extraviarse.Yo soy de esas personas que no sirve de guía turística ni en su ciudad natal. Me pierdo dándole la vuelta a la cuadra, y si pintan de otro color las casas y además de eso le construyen un piso de más o le quitan otro, ya no se ni dónde estoy parada –digamos que estoy exagerando-.


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Un buen libro no necesita de un buen lugar para ser a leído, finalmente leer te saca del espacio y el tiempo en el que te encuentras momentáneamente. Pero si hay un buen lugar para buscar un libro y leer, estaremos más allá del cielo y la tierra. Esto pasa en la ciudad de Zwolle en los Países Bajos donde leer es toda una experiencia "espiritual" . Ya verán por qué.

Los Arquitectos BK convirtieron una hermosísima iglesia dominicana del Siglo XXV en una librería con 700 metros cuadrados. El gran reto, fue mantener intactos cada uno de los elementos de la iglesia, pinturas, arcos y vitrales con más de 547 años de construcción. Además de ello todos los elementos que se incorporaron a la iglesia para poder hacer de ella una librería van de acuerdo a la paleta de colores que esta manejaba, manteniendo así la estética de la creación netamente original. Logrando una reverencia al valor histórico del espacio original.


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Guácala nació en Cali, sus padres son Andrés Bolaños y Sebastián Sánchez diseñadores gráficos e ilustradores. La amistad y el vínculo que se ha creado entre los dos más allá de ser padres de un mismo hijo, Guácala, los ha llevado a que el trabajo de uno se complemente con el del otro. Por un lado, Andrés se dedica más a la exploración y al diseño de personajes y por el otro, Sebastián es un experto con las paletas de colores y con la armonía que se puede crear con ellos; esto no quiere decir que cada uno vaya por su lado, sino que al contrario están uno con otro.

Guácala nació hace cinco años y coincidencialmente se encuentran ahora de cumpleaños, desde octubre del 2008 andan ilustrando la fealdad y la belleza, llevando un concepto de un lado al otro. Lo feo lo vuelven bello, y en lo bello encuentran la fealdad de una manera irónica.

A través del tiempo han evolucionado algunos personajes con ellos como lo son el Conejo Osado y Ricosquillas. Así mismo, han tenido la experiencia de ver como otras personas redibujan sus ilustraciones, "Es bacano que la gente se apropie de la imagen y haga sus propias versiones" dice Andrés.

A pesar de no tener una paleta de colores específica, los distingue el uso de aerosoles fluorescentes dentro de los murales específicamente, éste ha sido un recurso gráfico utilizado como luces.

A Guácala los inspira principalmente la tradición oral, los refranes, los trabalenguas y las rondas infantiles. Su mayor influencia es el entorno que los rodea, más que la propia inspiración sobre otros artistas o tendencias actuales.

Pero realmente lo que les dañó la cabeza a Sebastián y Andrés fueron programas animados como The Ren & Stimpy Show, Aaahh!!! Real Monsters, Flapjack y Chowder. La fealdad y monstruosidad de estos personajes seguramente les sigue dando vueltas en la cabeza a ellos para llegar a ilustraciones tan "feas".

Guácala

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Las obras de Li Hongbo (editor de libros y diseñador) que hacen parte de la exhibición Pure White Paper son un engaño. No estoy siendo sarcástica ni mucho menos, son un engaño –lo repito- y eso las hace ser especiales, únicas y hermosas.
 
"Pure White Paper" son una serie de obras que parecieran ser una preciosas cerámicas intocables. Pero no lo son, en realidad, son miles y millones de papeles que uno sobre otro que conforman y forman esculturas de morfologías humanas, como cráneos, bustos y cuerpos completos –también casi intocables.
 
Todo empezó cuando Li compró una bola de papel "nido de abeja" que se utiliza para las Festividades en China, la desarmó y vio cómo se hacía. Inspirado en esta tradición artesanal, tan "simple" pero que brinda propiedades de flexibilidad increíbles y con ayuda de un asistente, pegó cuidadosamente una hoja tras otra para después esculpirlas utilizando una sierra eléctrica.
Li demuestra la infinitud de posibilidades que tiene el papel en cuanto a forma y creación, se habla.
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Cuando me encontré con el vídeo de "Box" no supe y sigo sin saber cómo clasificarlo, si es un proyecto tecnológico, artístico, de diseño, de ingeniería de software o simplemente es una buena edición de un vídeo. Finalmente, yo creería que es de todo un poco y de todo un mucho. Lo que si es; es una declaración artística y demostración técnica. Es la culminación de múltiples tecnologías , como la robótica a gran escala , la cartografía de proyección , y la ingeniería de software.

"Box" por medio de un espacio real y al mismo tiempo digital a través de una proyección de mapeo sobre las superficies móviles logra engañar y poner en duda al ojo del espectador, sobre todo, porque este corto documenta una actuación en directo, capturada por una sola cámara.

Y así mismo como dicen Bot & Dolly –creadores- en su página, Box podría transformar radicalmente y definir nuevos géneros de expresión por medio de esta grandiosa ilusión óptica tecnológica/artística.

 

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Para Alexa Meade todo empezó como una preocupación y una observación acerca de las sombras y la ausencia de luz: "quería encontrar la forma de darle materialidad a la misma" dice Alexa para TED.

Pero lo realmente interesante es cómo, por medio de querer materializar las sobras y las luces, encontró como respuesta evitar el lienzo a toda costa y pintar retratos sobre personas (que uno creería que ya están retratadas, pues somos finalmente un retrato vívido de sí mismos).

Alexa pinta el oído sobre el oído, la nariz sobre la nariz, el brazo sobre el brazo, la ropa sobre la ropa y la pared sobre la pared. Hace de una escena tridimensional una bidimensional; pinta completamente la persona y cada uno de los objetos que se encuentren dentro del espacio y, después de llenar hasta los huesos de pintura cuidadosamente, les toma una fotografía desde el mejor ángulo. Lo mejor de esto es que en medio de una sola "escena" se pueden crear muchas pinturas gracias a que los retratados de las obras tienen vida, se mueven y se expresan... son personas y, así mismo, son una pintura llena de pintura.
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Solo pensar que con el cabello de algún desconocido se puede obtener rasgos genéticos como el color de sus ojos, de su cabello, su sexo y hasta saber si tiene pecas o no es absolutamente descabellado pero totalmente posible.
Visiones Extrañas es el proyecto de Heather Dewey-Hagborg, "La idea del proyecto surgió a partir de la fascinación por un pelo (...)"Esto se convirtió en un proyecto de investigación para mí, el descubrir lo que puedo conocer de alguien a través de algo que dejó atrás", dijo Dewey-Hagborg en una entrevista para CNN. Este proyecto inició hace dos años con el auto retrato de Dewey.
El proceso comienza con la búsqueda en un lugar público de un "algo" que contenga ADN, colillas de cigarrillos, cabello, saliva y cualquier tipo de "basura" con las células de una persona. "A partir de una colilla de cigarrillo , puedo saber sobre los ancestros de una persona, su sexo , color de ojos , color de pelo, el tono de su piel, las pecas, su tendencia a tener sobrepeso y las dimensiones del rostro con cierta probabilidad" dice Dewey para CNN.
A partir de los rasgos genéticos reunidos, estos se llevan a el Advanced Media Studio de la Universidad de Nueva York y en un computador se generan diferentes versiones del rostro para finalmente imprimirlo en 3D, este proceso de impresión puede durar aproximadamente 3 horas.  El proceso técnico completo se encuentra en su blog.
Se debe comprender que los rostros son semejantes a los reales, pero no son reconstrucciones exactas "ellos tienen cosas en común con la persona, pero no se verá exactamente como la persona"
Para algunos eso de jugar con el ADN de un desconocido para después saber cómo luce puede parecer aberrante e invade con la privacidad, pero finalmente esto es un proyecto artístico y ésta es una de sus intenciones, cuestionarse sobre la privacidad y la vigilancia en la genética. "Tiene la intención crear conciencia de que esto es posible (...) Se supone que es una exploración en la intersección del arte, la tecnología y la ciencia (...) Y se supone que es una provocación".
El proyecto artístico de Dewey-Hagborg recuerda un poco a Eduardo Kac y el Arte Transgénico, "La manipulación digital del aspecto del cuerpo (y no del cuerpo en sí) expresa claramente la plasticidad de la nueva identidad formada del cuerpo físico y configurada con abundante variedad. Podemos observar este fenómeno asiduamente en los medios de comunicación a través de las representaciones de cuerpos idealizados o imaginarios, encarnaciones en realidad virtual y proyecciones en la red de cuerpos reales (incluyendo a los avatares)".
"La piel ya no es la barrera inmutable que contiene y define el cuerpo en el espacio". La piel se desprende del cuerpo para demostrar que por medio de la ciencia no se necesita ni siquiera de esa cubierta para saber quién se es físicamente, o para percibir el cuerpo. La tecnología, la ciencia y los medios digitales como tal acabaron con el mito. El ADN diría yo, que es las nueva vista, el nuevo plano, el nuevo ángulo para conocer la configuración formal del cuerpo humano, es el nuevo mapa morfológico que contiene y define y que finalmente es en sí, el cuerpo y el todo del ser físico –no sólo del humano, pues en el caso del trabajo de Kac es con el cuerpo de algunos animales.
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