Publicado en Diseño

Es posible que cualquier diseñador, artista visual o alguien vinculado con las artes gráficas, al escuchar el nombre ‘Panton’ lo confunda de inmediato con la afamada paleta de colores utilizada en las litografías. Vale aclarar en este punto, que el nombre de la paleta es “Pantone®” y que el Panton de quién ahora se desea hablar, es de Verner, un diseñador Danés que rompió el molde en los años 60’s y aún hoy debería ser recordado por las fantásticas piezas de mobiliario que trajo al mundo algunas décadas atrás. Disponible en nuestro catalogo este clásico del diseño.

Verner Panton fue un arquitecto en la piel de un maravilloso diseñador que anhelaba ser un artista. Ecléctico incluso para el amable movimiento modernista Danés, Panton es el resultado de una especial convergencia de situaciones; nacido 1926 en el seno de una familia de caseros de Gantofte, un pequeño pueblo de la isla de Fionia, mostró interés por el arte, aunque no tuviese particular talento para el dibujo o la pintura, probablemente lo que cualquier mentor habría buscado. No obstante para el año de 1944 se ganó un lugar en la escuela técnica de Odense, pero como tantos otros genios del siglo pasado, se vio golpeado por los albores de la Segunda Guerra mundial y sólo hasta el final de ella pudo terminar sus estudios. En 1947 se traslada a Copenhage y se inscribe en la Real Academia Danesa de Bellas Artes como estudiante de arquitectura.

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Durante sus estudios en arquitectura Panton estableció valiosas relaciones con colegas y profesores, destacando entre ellas la conexión con su maestro Poul Henningsen quien lo introduce al diseño de producto y quien poco después se convierte también en su suegro, aunque esta relación con Tove Kemp, la hija de Henningsen, terminara poco después.

Panton también tuvo una relación profesional bastante valiosa con Arne Jacobsen, trabajó con el en distintos proyectos donde la investigación obsesiva de nuevo materiales por parte de Jacobsen inspiraron a Verner para sus posteriores trabajos.

Después de su asociación con Jacobsen y de comprar una camioneta Volkswagen, Panton decide irse de viaje por toda Europa. Este viaje marca su carrera, pues logra hacer contactos beneficiosos para su trabajo y posiblemente la experiencia de este viaje haya marcado también su estilo como diseñador.

Los primeros diseños producidos por Panton a decir verdad no marcan mucho el estilo por el cual es ahora reconocido. La primera producción fue junto con Fritz Hansen, la Silla Bachelor, la cual fue manufacturada en 1955 y posteriormente la silla Tivoli, ambas son construcciones minimalistas, con colores tenues y de tubos de acero. Nada que ver con la icónica silla Cono.

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Bachelor Chair, Verner Panton, 1955. © 2012 The Milanese

trivoli 1955Tivoli Chair, Verner Panton, 1955.

Sin duda, la Silla Cono (1959) marcó la carrera de Panton, muestra de ello es que el lanzamiento de la silla en la 5ta Avenida de New York causó tanto tráfico que la policía solicitó que retiraran la silla de la vitrina. Este era el inicio de un periodo visionario y distintivo para su carrera y para lo que es el diseño hoy, tanto así, que muchas de sus creaciones son consideradas atemporales y siguen siendo parte de las vitrinas de las tan mal llamadas, tiendas de diseño.

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Verner Panton sentado en la Silla Cono, 1961. © Panton Design, Basel

El trabajo de Verner Panton se extiende por algunas lindes del diseño, desde diseño de textiles creando patrones para diseño de interiores, mobiliario e iluminación, hasta la creación de muebles que causaron revuelo, como la Silla Flying, que poco después de haberla diseñado, un fabricante alemán sugirió hacer una recolecta de dinero para pagarle por el resto de la vida a Panton con tal de que nunca más diseñara un mueble, y ni qué decir de la Silla Panton, probablemente su más conocida creación, producida por Vitra presentada en 1976 y parte de la colección permanente del MoMA. La iluminación, aunque actualmente no es reconocido por ello, también es una faceta significativa, pues recuerda la atención que prestaba Verner en el uso de materiales. Así mismo el diseño de interiores donde expone y explota sin temor su preciado conocimiento en arquitectura y en su mayor interés, el color.

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Silla Flying, Verner Panton, 1963/1964. © Panton Design, Basel

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Silla Panton, Verner Panton, 1959. © Archiv Vitra Design Museum, Weil am Rhein

Un día le preguntaron a Panton: ¿Qué es más importante, la forma o el color? Es probable que haya pensando en el color, aún así, nunca dejó de lado la forma, y mucho menos esa curiosidad que adquirió de Jacobsen, la investigación de materiales. Todo esto, su estudio en arquitectura, su anhelo por ser artista, su conocimiento en diseño de producto y la compañía de su consejera y esposa desde 1962, Marianne Panton lo llevó a ser una mezcla perfecta para convertirse en lo que es hoy, un hito en el diseño que viajaba en una Combi.

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Verner Panton con su esposa e hija en la Living Tower. © Panton Design, Basel

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La arquitectura puede ser tan efímera y transitoria como las mismas nubes. Navega por las sensaciones, por la creación de mundos de distintos colores en donde la emoción y la experiencia juegan un papel equitativo en la generación de espacios para vivir, experimentar o navegar.

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 © Head in the Clouds Pavilion

Sobre esta sensación de Nirvana y ese deseo latente que la humanidad ha tenido de poder volar, la firma STUDIOKCA diseña este proyecto llamado “The head in the Clouds Pavillion”.

Durante el verano del 2013 en Nueva York, fue construida esta instalación con las manos de más 200 voluntarios como un pabellón en donde podían convivir los sueños de las personas que viven en la ciudad que jamás duerme y que siempre sueña.

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© Head in the Clouds Pavilion

Para la construcción de esta arquitectura efímera se utilizaron 53,780 botellas recicladas, arena, agua y aluminio curvado para la concepción de la estructura, creando  así, una forma que responde visualmente y literalmente a una nube blanca en la mitad de la ciudad, a la cual podían ingresar los visitantes y tener la sensación de estar dentro de una nube. 

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© Head in the Clouds Pavilion

Para el verano de 2014 STUDIOKCA creó de nuevo un proyecto en la misma ciudad que esta vez se llamó “Comet lands in Brooklyn”. Una estructura dinámica que trabajaba también la relación espacial y simbólica de la “Gran Ciudad” con el resto del universo.

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Salvador Dalí es conocido por sus pinturas, esculturas, grabados y escritos. También es conocido por su trabajo en el cine al lado de Luis Buñuel, siendo co-escritor de Un perro andaluzLa edad de oro y por otros trabajos en este campo como director, actor, escenógrafo, director de arte y algo tal vez menos conocido, como diseñador de vestuario.

Aún siendo esta última faceta la menos renombrada o popular de Salvador Dalí, este personaje surrealista estuvo más cerca de la moda, o del diseño vestuario de lo que se hubiese pensado.

Hace 50 años Salvador Dalí diseñó, para el fabricante de ropa Jack A. Winter, una amplía colección que incluía trajes de baño, ropa deportiva y vestidos de coctel para la colección de otoño de 1965. Estos diseños se exhibieron el mismo año en una exposición en París, que lastimosamente no llegaron a producirse.

Salvador Dalí

Boceto 01 - Salvador Dalí

Actualmente se exhiben seis diseños en la Galería Mayoral de Barcelona y aunque se desconoce el número exacto de trajes creados para esta colección, los atuendos expuestos, representan sin duda la esencia de Dalí.

Diversas técnicas en cada uno de los dibujos, carbón, lápiz, tinta china, collage y acuarela. Títulos como “Imperio Daliniano” y “Diseño para un vestido de tenis”; y comentarios manuscritos por Dalí, generalmente en lápiz y en francés que dicen cosas como: “Prohibido para aquellas que tengan pecho”, "Si Mr. Winter entiende esto tendremos la moda por diez años" y “Todo ha de ser inquisitorial y revisado por Dalí” o detalles sumamente precisos acerca de los textiles a usar, las texturas y los botones, recuerdan no solo el egocentrismo, del que recibió tantas críticas, sino del absoluto control, de la perfección y excelencia que tenía ese bigote erguido, magistral curva que aún hoy solo puede evocar a Salvador Dalí.

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Boceto 02- Salvador Dalí

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Boceto 03 - Salvador Dalí

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Boceto 03 - Salvador Dalí

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Publicado en Diseño

 

El diseño se basa en el conocimiento y en la satisfacción de las necesidades del hombre, en el  proceso de origen y desarrollo de una idea para llevarla a cabo por medio de un plan y materializarla en un proyecto o producto.

A lo largo de la historia hemos sido testigos de esta verdad y hemos logrado identificar que por medio de la investigación y la exploración es posible conseguir soluciones reales, diseños originales y objetos que perduren en el tiempo. —Como decía Charles Eames: “reconocer la necesidad es el primer requerimiento para el diseño”.

En honor a este axioma quisimos recopilar en 15 imágenes los mejores clásicos del diseño del siglo XX.

1. Lámpara Wa 24 - Wilhelm Wagenfeld (1924)

Materiales: Acero y vidrio.

Un lámpara formada por una base en forma de disco, pie cilíndrico y pantalla esférica de vidrio, crea un elemento industrial sencillo y funcional.

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2. Silla Barcelona – Ludwig Mies van der Rohe (1928)

Materiales: Acero y cuero.

Simetría y proporcionalidad la convierte en un elemento armonioso y elegante; ícono representativo del mobiliario moderno.

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3.Lámpara L-1 - Jac Jacobsen (1937)

Materiales: Acero y aluminio

Se conoce popularmente en el mundo del diseño como la lámpara preferida de los arquitectos. Su mecanismo imita el movimiento de las extremidades del cuerpo; la flexibilidad de su brazo y pantalla le permiten una mayor funcionalidad, también es utilizada en interiorismo como pieza decorativa.

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4. Ericofon – Ericcson (1940)

Materiales: Plástico

Un icono de diseño sueco, este clásico también es conocido como “Cobra” es uno de los primeros modelos teléfonicos hecho en plástico.

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5. Vespa – Enrico Piaggio (1946)

Materiales: Acero

Modelo italiano. La inspiración de un motor aéreo combinado con la estructura de una avispa. Esta motocicleta aún refleja el espíritu vanguardista de una época y continua siendo uno de los vehículos más deseados del mundo.

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6. Mesa Noguchi – Isamu Noguchi (1948)

Materiales: Madera y vidrio

Cuando combinas una ligera base de madera curvimorfa, con una superficie de cristal ovalada obtienes como resultado 'una pieza suprema' que se blande entre el arte y el diseño.

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7. Nevera Smeg – Vittorio Bertazzoni (1950)

Materiales: Plástico

Limpia y funcional, la Smeg siempre será un elemento protagonista en cualquier ambiente.

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8. Silla Tower – Charles & Ray Eames

Materiales: Plástico

Esta pieza diseñada para un concurso de mobiliario estadounidense es ahora un icono mundial por su diseño clásico y moderno.

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9. Taburete Butterfly – Sori Yanagi (1954)

Materiales: Madera

El estilo simétrico de esta pieza oriental resalta la pureza y el suave arqueado de la madera, logrando un balance escultural.

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10.   Sk4 Music Center – Dieter Rams (1956)

Materiales: Acero, madera y acrílico

Una de las piezas más memorables en la electrónica alemana. Con diseño prolijo y un balanceado manejo del acero, la madera y el acrílico.

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11. Mesa Tulip – Eero Saarinen (1956)

Materiales: Plástico

Ideal para cualquier espacio, símbolo de simpleza y funcionalidad. Esta mesa curvilínea es considerada uno de los iconos del diseño estadounidense. 

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12. Silla Panton – Veerner Panton (1967)

Materiales: Plástico

Fruto de la experimentación de diversas formas, colores y procesos de fabricación, se convrtió en el sueño de cientos de diseñadores al ser la primera silla de una sola pieza, elaborada con inyección de plástico.

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13. Silla Wiggle – Frank Gehry (1972)

Materiales: Cartón

Su diseño se lleva todas las miradas gracias a su escultórica silueta. Construida con cartón corrugado bajo la tecnica de planos seriados; esta silla es reconocida como una obra maestra del diseño canadiense.

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14. Walkman - Andreas Pavel (1979)

Materiales: Plástico

En los 80's no podías llevar tu música a todas partes, los equipos musicales de la epoca eran voluminosos y poco prácticos, hasta que Andreas Pavel dio en el clavo con este dispositivo con auriculares y desarrollado por Sony.

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15. Iphone – Steve Jobs & Jony Ive

Materiales: Aluminio y cristal

Desde su fundación en los años 70´s Apple empezó a deslumbrar al mundo con sus diseños atractivos e innovadores. Sin duda,  el iPhone es el objeto más codiciado de comienzos del siglo actual y se destaca por su diseño intuitivo y el poder de su sistema operativo. Un icono del siglo XXI.

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Publicado en Arquitectura

 

En el contexto del Congreso Alacero en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, fueron anunciados los equipos ganadores del Concurso Alacero de Diseño en Acero para Estudiantes de Arquitectura, certamen que convoca jóvenes de toda América Latina.

Este año el Concurso convocó 228 proyectos provenientes de 87 universidades y 7 países (Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México, Ecuador y República Dominicana). Los estudiantes realizaron una propuesta basada en el tema seleccionado para esta edición: un “Centro Deportivo y Social” inserto en ciudades de carácter provincial como herramienta para el ordenamiento de zonas deterioradas, que permita aumentar la infraestructura deportiva existente, congregue a los vecinos y sea motor de cohesión social.

En el día de hoy, un jurado de notables arquitectos compuesto por Sebastián Colle (Argentina), Carolina Fonseca (Brasil), Álvaro Donoso (Chile), Maritza Andrade (Ecuador), Agustín Rodríguez (México) y Juan Mubarak (República Dominicana) seleccionó los trabajos más destacados por cumplir con el correcto y apropiado uso del acero, tanto en los aspectos conceptuales y arquitectónicos como en los tecnológicos y constructivos.

El Primer Premio lo obtuvo el equipo de Colombia compuesto por los alumnos Ángela Marcela Puerta, Carolina Delgado Quintero yWilliam Alexander Criollo Muñoz de la Universidad del Valle, quienes estuvieron dirigidos por el Prof. Francisco León Ramírez. Los estudiantes recibieron un diploma y 6.000 dólares, asimismo, la Universidad recibió un galvano recordatorio y la suma de 4.000 dólares.

Equipo de Colombia

Equipo Colombiano - Hilton Buenos Aires

El Segundo Premio recayó en los estudiantes de Chile, Daniel Fabián Escobar Oyarce, Matías Gabriel Salas Ramírez y Francisca Fernanda Salazar Herrera de la Universidad de Santiago. También recibieron su diploma y la suma de 2.000 dólares. Este proyecto estuvo guiado por el profesor Rodrigo Aguilar. La escuela de estudios recibió 1.000 dólares.

La Mención Honrosa fue otorgada al equipo de Argentina y Brasil integrado por los alumnos Aldana Lorenzo, Valeria Jaros, Marina Ercole y Virginia Barberis de la Universidad Nacional de Córdoba y Giulia Aikawa da Silveira Andrade, Thiago Steffen, Umberto Violatto Sampaio y Yuri Rodrigues de Medeiros Wagner de la Universidade Federal de Santa Catarina. Los profesores responsables fueron Jorge Taberna  por Argentina y Almir Francisco Reis por Brasil. Los estudiantes y profesores recibieron un diploma. 

Este Concurso es una iniciativa de Alacero con el fin de incentivar en los futuros profesionales de la arquitectura su relación con el acero como material constructivo y así poder dar debido uso de sus diferentes atributos.

El tema y las bases del 9mo Concurso Alacero de Diseño en Acero para Estudiantes de Arquitectura 2016, serán anunciados próximamente en www.alacero.org

Acerca de Alacero

Alacero –Asociación Latinoamericana del Acero- es la entidad civil sin fines de lucro que reúne a la cadena de valor del acero de América Latina para fomentar los valores de integración regional, innovación tecnológica, excelencia en recursos humanos, seguridad en el trabajo, responsabilidad empresarial y sustentabilidad socio-ambiental. Fundada en 1959, está integrada por 49 empresas de 25 países, cuya producción -cercana a las 70 millones de toneladas anuales- representa el 95% del acero fabricado en América Latina. Alacero está reconocida como Organismo Consultor Especial por las Naciones Unidas, y como Organismo Internacional No Gubernamental por parte del Gobierno de la República de Chile, país sede de la Dirección General.
Publicado en Apps

Porque los diseñadores también necesitamos amigos, compañeros y aliados que se unan a nuestras infinitas noches de trasnocho y exceso de café. Por eso entendemos la importancia de las nuevas herramientas digitales que pueden ayudarnos a llegar a ver la luz al final de ese túnel oscuro y complicado que a veces es la creatividad.

No siempre será el lápiz, el papel y los post-it de colores quienes nos  lleven a buen puerto y por esta razón les traemos 5 aplicaciones para tablet y celular que les pueden ayudar a aumentar la productividad a la hora de crear. 

1. Pinterest y Behance, una dosis diaria de inspiración

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Pinterest y Behance son dos enriquecedores espacios que nos encanta visitar sobre todo porque están llenos de las cosas que nos encantan. Estas dos redes sociales nos permiten buscar referentes, fuentes, vectores y conectarnos con personas con gustos similares alrededor del mundo. 

2. Paper by 53 o Sketches, para bocetar como se debe

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Si bien es posible que estas sean las dos aplicaciones más comentadas en el mundo digital, no dejan de ser aquellas que por el momento nos facilitan la vida a la hora de dibujar y animar. Estas dos aplicaciones nos permiten bocetar con todos los colores y técnicas posibles.

3. 1,2,3D y directo al mundo real

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123D Sculpt es una creación de Autodesk para IOS que permite una bocetar en 3D como si de moldear una escultura se tratara. Utilizada para crear personajes y comprobaciones varias, esta aplicación también permite realizar la impresión 3D de los diseños creados en esta plataforma. 

4. Auxy, para los diseñadores adictos a la música 

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Auxy es de esas aplicaciones dummy friendly con aquellos que les gusta trabajar en ambientaciones e instalaciones. Esta herramienta les permite crear ambientaciones musicales que pueden acompañar vídeos, presentaciones o comprobaciones de ambientación de cualquier diseño que deseen crear.

5. Processing, una herramienta para diseño interactivo

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Processing es una plataforma que te permite programar en código todo tipo de visualizaciones e interacciones ­entre tus usuarios y tus diseños. Si bien processing es un poco difícil de entender y trabajar en código puede que les parezca hablar en chino, no es imposible de aprender y una vez se logra dominar será una herramienta muy útil para todos tus proyectos. La aplicación de processing te permite programar e interactuar con tus creaciones de una forma mucho más rápida y fácil.

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Desde 2013 Steve Wintercroft y su esposa se han dedicado a diseñar máscaras para personas que no se conforman con los típicos formatos de plástico o látex que se han vendido últimamente para esta época de halloween. Steve es obsesivo y apasionado por el diseño, junto con su abuelo hacía cosas para los demás niños y esta buena costumbre continua hoy en día.

Estudió diseño y artes visuales, aunque trabajó como ebanista, siempre ha trabajado completamente como diseñador de tablas de surf. El deseo de estar creando es lo que le ha llevado a tomar tijeras, cinta y pintura y hacer algo.

La idea de las máscaras surgió hace dos años cuando uno de los amigos de Steve lo invitó a una fiesta de disfraces, con el corto tiempo que tuvo y sin saber que hacer, decidió vaciar la papelera, tomar cartón y cinta y después de unas horas como resultado obtuvo una máscara de animal; la cual fue muy recibida, así que decidió mejorarla y mostrar plantillas accesibles para todos y fáciles de construir; además de ser de ser ecológicas y tener un impacto ambiental mínimo.

A la hora de diseñar Steve aplica las técnica de las tres R, reducir, reutilizar y reciclar. 

- Reduce la energía, ya que al ser enviadas digitalmente no hay desperdicio de energía en la fabricación y envío.

- Reutiliza los materiales, las máscaras se hacen a partir de materiales como cajas, cartón, papel, las cajas de cereales son las más ideales.

- Recicla la máscara, cuando se deja de usar, solamente hay que quitar la cinta y ponerla en la papelera de reciclaje.

¡Felíz Halloween!

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Diseño de Calaca Mexicana.

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Diseño de gato poligonal.

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Pumpking Head

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Calabaza sin cuerpo (jojojo)

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Dragón en papel.

Publicado en Diseño
 
 
“Reconocer la necesidad es la principal condición para el diseño”
— Charles & Ray Eames.

 

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Los inicios

Charles Eames nació en 1907 en St. Louis, Missouri, estudió arquitectura en la Washington University, durante sus años en la Universidad trabajó como delineante de arquitectura en el taller Trueblood & Grad.

En 1930 Charles en compañía de su entrañable amigo de la universidad Charles Gray, abrieron un estudio de arquitectura en la ciudad de St. Louis y que años más tarde acogería a Walter Pauley como socio. En aquellos años el estudio realizó diferentes proyectos, en su mayoría viviendas privadas y mobiliario.

Hacia 1934, Eames decide desvincularse ya que debido a la depresión económica el estudio dejó de ser rentable para él; En ese entonces Charles decide vivir en México durante un año y regresa a St. Louis para fundar un nuevo estudio de arquitectura con Robert Walsh. En 1938, Eliel Saarinem que antes había asesorado algunos de los proyectos arquitectónicos de Eames, le ofrece una beca para estudiar en “Cranbrook Academy of Art”. Allí se formaría como diseñador y en 1939 sería contratado como profesor. Un año más tarde es nombrado decano de la facultad de Diseño industrial de Cranbrook y es en ese periodo donde conocerá a su futura esposa Ray Kaiser, quién cambiaría de nombre a Ray Eames al casarse con Charles.

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Ray Kaiser nació en Sacramento, California en 1912. Estudio en May Friend Bennet School of Millbrook, Nueva York y terminó sus estudios de pintura en la escuela Hans Hofmann; Se inscribe en Cranbrook en 1940 y un año después contrae matrimonio con Charles Eames.

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© La pareja Eames posando con el famoso sillón Lounge Chair de fondo.

El matrimonio

La pareja se queda en California y Charles empieza a trabajar como escenógrafo de la MGM, para ese entonces Charles y Ray experimentaron con diferentes técnicas del moldeado de madera y desarrollaron juntos una nueva máquina denominada: ¡KASAM! — Una prensa para moldear la madera en dos planos y que permitiría alcanzar complejas curvas en los diseños.

Durante la segunda guerra, la marina de los Estados Unidos les encarga el diseño y la producción de férulas y camillas de madera laminada para los heridos en combate, fundando así la “Plyformed Wood Company”, una empresa que garantizará la producción en línea de estos productos. Después de unos años y debido a la crisis económica, los Eames vendieron la fábrica y esta se convirtió en una división de “Evans Products Company”.


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© Lachaise Lounge diseñada para conmemorar la vida del artista Gastón Lachaise.

Los frutos

La fama mundial llegaría en 1946, cuando el MOMA: Museum of Modern Art, organizó una exposición individual titulada: “New furniture by Charles Eames” en donde presentaron varios de los prototipos realizadas por la pareja.

Estas sillas eran innovadoras, no solo en su forma, también en su producción; ya que al ser fabricadas en masa eran asequibles a todo público por su bajo costo. Hacia el año 1948, Eames gana el premio otorgado por el MOMA “International Competition for Low Cost Furniture Design” en donde presentaron una silla fabricada en fibra de vidrio conocida como “La Chaise”, en honor al escultor “Gaston Lachaise”,cuyo trabajo inspiraría el producto de la pareja. Vitra AG ha fabricado la silla desde 1990 hasta entonces.

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© Colección de Sillas DSR 2015 - Henry Miller

El legado

Durante los años 50’s y 60’s el matrimonio trabaja junto a Herman Miller y desarrollando las sillas innovadoras que se convertirían en iconos del diseño.

Los Eames no solo se destacaron por el diseño de productos, también hicieron aportes significativos a la historia de la arquitectura con las famosas “Study Houses” construidas en 1949, realizadas junto al arquitecto Eero Saarinem. En una de aquellas casas, la pareja se instalaría conociéndose como la “Casa Eames”.

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© Eames House 

Con sus diseños, pinturas, películas y fotografías los Eames crearon un lenguaje visual de gran impacto estético y funcional; formaron parte de una elite de diseñadores que creían en la ética social e igualdad como principios del diseño, demostrando que el diseño moderno debe ser usado para mejorar la calidad de vida de todos los seres humanos.

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© Charles & Ray Eames en su fábrica Playwood Company.
 

Fuente: Charlotte & Peter Fiell. Diseño del siglo XX. Taschen.


 
Publicado en Diseño Industrial

Arthur Kenzo, es un prolífico diseñador industrial francés que decidió realizar una investigación morfológica sobre los efectos que el sonido tiene sobre la materia.

El proyecto denominado ‘Sound Sculpture’ tiene como objetivo reflejar dicho estudio, en donde se capturó por medio de una representación plástica las ondas vibratorias de la música en tres esculturas de madera. 

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Publicado en Edificios

En esta nueva publicación de galerías para la inspiración, les presentamos nuestros últimos hallazgos en el maravilloso universo del diseño y la arquitectura con estas 10 increíbles estructuras diseñadas por grandes arquitectos alrededor del mundo.

Kilden Theatre and Concert Hall Kristiansand ala Architects

Kilden Theatre y Concert Hall, Kristiansand - ALA Arquitectos.

Barcode Project by Lund Hagem Architects Oslo

Proyecto Barcode por Lund Hagem Arquitectos, Oslo

LOpera Restaurant Paris by Studio Odile Decq

Restaurante L'Opera París por Studio Odile Decq.

Petersen Automotive Museum in Los Angeles infinitylab

Museo Automor Petersen en Los Angeles. 

RELAXX Sport and Leisure Center in Bratislava

RELAXX Centro Deportivo en Bratislava.

Riverside Museum Glasgow Scotland

Museo Riverside en Glasgow, Escocia.

Singapore Life Church Singapore by Laud Architects

Iglesia Vida en Singapur por Laud Arquitectos.

The Cube in Beirut by Orange Architects

'El Cubo' en Beirut por Orange Arquitectos.

Sugamo Shinkin Bank by Emmanuelle Moureaux

Banco Sugamo Shinkin por Emmanuelle Moureaux.

Zaha Hadid Baku Azerbaijan

Zaha Hadid Baku Azerbaijan.

Adicionamos uno más que sin duda merece estar en la lista. 

Sunwell Muse Kitasando by Takato Tamagami

Sunwell Muse Kitasando por Takato Tamagami.

 

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