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 Para Forero la imagen el niño es una de las representaciones más clara de la divinidad, la ausencia de miedo a crear y recrear eternamente.

 

 

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En este proyecto son retratadas la ‘Villa Savoye’ de Le Corbusier y la ‘Casa Farnworth’ de Mies Van de Rohe entre otras, sin mencionar algunas de las otras célebres viviendas que han sido protagonistas de la historia de la arquitectura en este colorido cortometraje, animado, producido e ilustrado por el diseñador italiano Matteo Mucci.

La serie surgió de la fusión de las dos grandes pasiones de Mucci: la arquitectura y la ilustración, arrojando como resultado un divertido corto animado, que construye pieza por pieza algunas de las obras maestras de la arquitectura moderna a partir de líneas rectas, planos y fondos cromáticos.

Conozca su portafolio en Behance: https://goo.gl/kuckQZ

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Uno de los íconos del diseño gráfico internacional dio esta charla en el American Institut of Graphic Arts. Ahora que la escuela del punto y la línea cuenta con un séquito nada desdeñable, las lecciones de un veterano en el oficio se ganan el favor de todos.

Comparto algunas cosas que aprendí a lo largo de los años, que tienen mucho que ver con lo que hacemos los diseñadores.

1. Sólo puedes trabajar para gente que te agrada.

Es una regla curiosa que me llevó mucho tiempo aprender porque, de hecho, en los inicios de mi práctica sentía lo contrario. Ser profesional requería que no te gustara particularmente la gente para la cual trabajabas, o al menos que mantuvieras una relación distante, lo que significaba no almorzar con los clientes ni tener encuentros sociales. Hace algunos años me di cuenta de que lo opuesto era verdad. Descubrí que todo el trabajo valioso y significativo que había producido, provenía de relaciones afectivas con los clientes. No estoy hablando de profesionalismo; estoy hablando de afecto. Estoy hablando de compartir con el cliente algunos principios comunes. Que de hecho tu visión de la vida sea congruente con la del cliente. De otro modo la lucha es amarga y sin esperanzas.

2. Si puedes elegir, no tengas un empleo

Una noche estaba sentado en mi auto fuera de la Universidad de Columbia, donde mi esposa Shirley estudiaba antropología. Mientras esperaba escuchaba la radio y oí a un periodista preguntar: «Ahora que llegó a los setenta y cinco, ¿tiene algún consejo para nuestra audiencia sobre cómo prepararse para la vejez?». Una voz irritada dijo: «¿Por qué últimamente todos me preguntan sobre la vejez?». Reconocí la voz de John Cage. Estoy seguro que muchos saben quién fue —el compositor y filósofo que influenció a gente como Jasper Johns y Merce Cunningham y al mundo de la música en general. Apenas lo conocí y admiré su contribución a nuestro tiempo. «Sabes, no se cómo prepararme para la vejez», dijo. «Nunca tuve un empleo, porque si tienes un empleo, algún día alguien te lo sacará y entonces no estarás preparado para la vejez. Para mi ha sido lo mismo cada día desde los doce. Me levanto a la mañana y trato de darme una idea de cómo llevar el pan a la mesa hoy. Es lo mismo a los setenta y cinco: me levanto cada mañana y pienso cómo voy a llevar el pan a la mesa hoy. Estoy excelentemente bien preparado para la vejez».

3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla

(Este es un apartado del punto 1) En los sesenta había un hombre llamado Fritz Perls que era psicólogo gestáltico. La terapia Gestalt, derivada de la historia del arte, propone que debes comprender el «todo» antes de los detalles. Lo que debes observar es la cultura entera, la familia completa, y la comunidad, etc. Perls proponía que en todas las relaciones la gente puede ser tanto tóxica como enriquecedora entre sí. No es necesariamente cierto que la misma persona será tóxica o enriquecedora en todas sus relaciones, pero la combinación de dos personas puede producir consecuencias tóxicas o enriquecedoras. Y lo importante que puedo contar es que hay un test para determinar si alguien es tóxico o enriquecedor en su relación contigo. Aquí va el test: tienes que pasar algún tiempo con la persona, así sea tomar un trago, ir a cenar o ir a ver un juego deportivo. No importa demasiado, pero al final observa si te sientes con más o menos energía, si estas cansado o si estás fortalecido. Si estas más cansado, entonces te han envenenado. Si tienes más energía, te han enriquecido. El test es casi infalible y sugiero usarlo toda la vida.

4. El profesionalismo no alcanza, o lo bueno es enemigo de lo genial

Cuando comencé mi carrera quería ser profesional. Esa era mi aspiración porque los profesionales parecían saber todo —sin mencionar que además les pagan por eso. Más tarde, después de trabajar un tiempo, descubrí que el profesionalismo en si mismo era una limitante. Después de todo, lo que profesionalismo significa en la mayoría de los casos es «reducción de riesgos». Así, si quieres arreglar tu auto vas a un mecánico que sepa como lidiar con el problema que tiene. Supongo que si necesitas cirugía del cerebro no querrás tener cerca a un doctor tonto inventando una nueva forma de conectar tus terminaciones nerviosas.

Por favor hazlo de la forma que ha funcionado bien en el pasado.

Desafortunadamente nuestro campo, el así llamado creativo (odio esa palabra porque se suele usar mal, odio el hecho de que se la use como sustantivo, ¿te imaginas llamar a alguien creativo?), cuando haces algo en forma recurrente para reducir riesgos o lo haces de la misma forma en que lo has hecho antes, se vuelve claro por qué el profesionalismo no es suficiente. Después de todo, lo que ser requiere en nuestro campo, más que cualquier otra cosa, es la transgresión continua. El profesionalismo no da lugar a la transgresión porque ésta incluye la posibilidad de error, y si eres profesional tu instinto te dicta no fallar, sino repetir el éxito. Entonces el profesionalismo como aspiración de vida es una meta limitada.

5. Menos no necesariamente es más

Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: «menos es más». Una mañana, antes de levantarme, me di cuenta de que era un sinsentido total, un asunto absurdo y bastante vacío. Pero suena importante porque contiene dentro de sí una paradoja resistente a la razón. Sin embargo no funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética. No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas.

Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: «suficiente es más».

6. El estilo no es confiable

Creo que esta idea se me ocurrió por primera vez cuando miraba una maravillosa acuarela de un toro de Picasso. Era una ilustración para un cuento de Balzac llamado «La obra maestra desconocida». Es un toro expresado en doce estilos diferentes, desde una versión muy naturalista a una abstracción reducida a una simple línea, con todos los pasos intermedios. Lo que surge con claridad al observar este impreso es que el estilo es irrelevante. En cada uno de esos casos, desde la abstracción extrema al naturalismo fiel, todos son extraordinarios más allá del estilo. Es absurdo ser leal a un estilo. No merece tu lealtad. Debo decir que para los viejos profesionales del diseño es un problema, porque el campo está manejado más que nunca por intereses económicos.

El cambio de estilo suele estar ligado a factores económicos, como todos los que leyeron a Marx saben. También se produce cansancio cuando la gente ve demasiado de lo mismo todo el tiempo. Entonces, cada diez años más o menos se produce un cambio estilístico y las cosas se vuelven diferentes. Las tipografías van y vienen y el sistema visual cambia un poco.

Si tienes años de trabajo como diseñador tienes el problema esencial de qué hacer. Quiero decir, después de todo, has desarrollado un vocabulario, una forma que te es propia. Es uno de los modos de distinguirte de tus pares y establecer tu identidad en el campo del diseño. Mantener tus creencias y preferencias se vuelve un acto de equilibrio. La duda entre perseguir el cambio o mantener tu propia forma distintiva se vuelve complicado.

Todos hemos conocido casos de ilustres médicos cuyo trabajo repentinamente se pasó de moda o, más precisamente, se quedó en el tiempo. Y allí hay historias tristes como la de Casandre, indiscutidamente el más grande diseñador gráfico de la década del 20 del siglo XX, que no pudo ganarse la vida en sus últimos años y se suicidó.

7. En la medida en que vives, tu cerebro cambia

El cerebro es el órgano más activo del cuerpo. De hecho es el órgano más susceptible de cambiar y regenerarse de todos los órganos. Tengo un amigo llamado Gerard Edelman que es un gran erudito en estudios del cerebro, que dice que la analogía del cerebro con la computadora es lamentable. El cerebro es más como un jardín silvestre que constantemente está creciendo y esparciendo semillas, regenerándose, etc. Y él cree que el cerebro es susceptible —en una forma de la cual no somos totalmente conscientes— a toda experiencia y a todo encuentro que tengamos en nuestra vida.

Me fascinó una historia en un periódico hace pocos años acerca de la búsqueda del oído absoluto. Un grupo de científicos decidió que descubriría por qué alguna gente tiene oído absoluto. Son los que pueden escuchar una nota con precisión y replicarla exactamente en el tono correcto. Alguna gente tiene un oído muy fino, pero el oído absoluto es raro incluso entre los músicos. Los científicos descubrieron —no sé cómo— que en la gente con oído absoluto el cerebro era diferente. Ciertos lóbulos del cerebro habían experimentado algún cambio o deformación recurrente entre quienes tenían oído absoluto. Esto fue suficientemente interesante en sí mismo, pero entonces descubrieron algo aún más fascinante: si tomas un grupo de niños de cuatro o cinco años de edad y les enseñas a tocar el violín, luego de unos años algunos de ellos habrán desarrollado el oído absoluto, y en todos esos casos su estructura cerebral habrá cambiado. Bien… ¿qué podría significar eso para el resto de nosotros?

Tendemos a creer que la mente afecta al cuerpo y el cuerpo afecta la mente, pero generalmente no creemos que todo lo que hacemos afecte el cerebro. Estoy convencido de que si alguien me gritara desde el otro lado de la calle mi cerebro podría ser afectado y mi vida podría cambiar. Es por eso que mi madre siempre decía: «no te juntes con esos chicos malos». Mamá tenía razón. El pensamiento cambia nuestra vida y nuestro comportamiento.

También creo que el dibujo funciona de la misma manera. Soy un gran defensor del dibujo, no por haberme convertido en ilustrador, sino porque creo que el dibujo cambia el cerebro de la misma forma en que encontrar la nota correcta cambia la vida de un violinista. El dibujo te vuelve atento, te hace prestar atención a lo que ves, lo cual no es tan fácil.

8. La duda es mejor que la certeza

Todo el mundo habla siempre de tener confianza, de creer en lo que haces. Recuerdo una vez en clase de yoga, el profesor dijo que, espiritualmente hablando, si tu crees que has alcanzado la iluminación apenas has alcanzado tus límites. Pienso que es verdad en un sentido práctico. Las creencias profundamente arraigadas de cualquier tipo evitan que te abras a experimentar, y es por eso que encuentro cuestionable a toda posición ideológica sostenida con firmeza. Me pone nervioso cuando alguien cree demasiado en algo. Ser escéptico y cuestionar toda convicción arraigada es esencial. Por supuesto hay que tener clara la diferencia entre escepticismo y cinismo, porque el cinismo es tan restrictivo a la propia apertura al mundo como las convicciones apasionadas: son como gemelos. En definitiva, resolver cualquier problema es más importante que tener razón. Existe una sensación de autosuficiencia tanto en el mundo del arte como en el del diseño. Tal vez comienza en la escuela. Las escuelas de arte a menudo comienzan con el modelo de personalidad singular de Ayn Rand, resistiendo a las ideas de la cultura que la rodeaba. La teoría de las vanguardias es que como individuo tu puedes transformar el mundo, lo cual es verdad hasta cierto punto. Uno de los signos del ego dañado es la certeza absoluta.

Las escuelas alientan la idea de no ceder y defender tu trabajo a toda costa. Bien, el asunto es que nuestro trabajo consiste en lograr ponerse de acuerdo. Sólo tienes que saber en qué ceder. La búsqueda ciega de tus propios fines a costas de excluir la posibilidad de que otros puedan tener razón, no tiene en cuenta el hecho de que en diseño siempre lidiamos con una tríada: el cliente, la audiencia y tu mismo. Lo ideal sería que mediante alguna clase de negociación todas las partes ganaran, pero la autosuficiencia suele ser el enemigo. El narcisismo generalmente proviene de alguna clase de trauma de la infancia que no debe profundizarse. Se trata de un aspecto muy difícil en las relaciones humanas.

Hace algunos años leí una cosa muy notable sobre el amor, que también aplica a la naturaleza de la relación con los otros. Era una cita de Iris Murdoch en su obituario. Decía: «El amor es el hecho extremadamente difícil de darse cuenta de que el otro, que no es uno, es real». ¡¿No es fantástico?! La mejor conclusión sobre el tema del amor que se pueda imaginar.

9. Sobre la edad

El año pasado alguien me regalo para mi cumpleaños un libro encantador de Roger Rosenblatt, llamado «Ageing Gracefully» (Envejeciendo con gracia). No me di cuenta del título en el momento, pero contiene una serie de reglas para envejecer con gracia. La primera regla es la mejor: «No importa. No importa lo que pienses. Sigue esta regla y agregarás décadas a tu vida. No importa si es tarde o temprano, si estás aquí o allá, si lo dijiste o no, si eres inteligente o estúpido. Si saliste despeinado o calvo o si tu jefe te mira cruzado o tu novio o novia te mira cruzado, si tu estás cruzado. Si consigues o no que te den ese ascenso o premio o casa —no importa». Sabiduría al fin. Entonces escuché un maravilloso cuento que parecía relacionada con la regla número diez: Un carnicero estaba abriendo su negocio una mañana y mientras lo hacía un conejo asomó su cabeza a través de la puerta. El carnicero se sorprendió cuando el conejo preguntó: «¿Tiene repollo?». El carnicero dijo: «Esta es una carnicería, vendemos carne, no vegetales». El conejo se fue saltando. Al día siguiente el carnicero estaba abriendo su negocio y el conejo asomó su cabeza y preguntó: «¿Tiene repollo?». El carnicero ahora enojado le respondió: «Escúchame pequeño roedor, te dije ayer que vendemos carne, no vegetales, y la próxima vez que vengas por aquí te voy a agarrar del cogote y clavaré esas orejas flojas al suelo». El conejo desapareció precipitadamente y nada sucedió durante una semana. Entonces una mañana el conejo asomó su cabeza desde la esquina y preguntó: «¿tiene clavos?». El carnicero dijo: «No». Entonces el conejo dijo: «Tiene repollo».

10. Decir la verdad

El cuento del conejo es importante porque se me ocurrió que buscar repollo en una carnicería sería como buscar ética en el campo del diseño. No parece ser el lugar más adecuado para encontrarla tampoco. Es interesante observar que en el nuevo código de ética de la AIGA (American Institute of Graphic Arts) aparece una cantidad importante de información sobre conductas para con los clientes y para con otros diseñadores, pero ni una palabra acerca de la relación del diseñador con el público. Lo que se espera del carnicero es que venda carne que se pueda comer y no mercadería engañosa. Recuerdo haber leído que durante los años de Stalin en Rusia, todo lo que llevaba la etiqueta de «ternera» en realidad era pollo. No me quiero imaginar qué sería lo que llevaba la etiqueta «pollo».

Podemos aceptar algún nivel mínimo de engaño, como que nos mientan a cerca del tenor graso de sus hamburguesas, pero cuando el carnicero nos vende carne podrida nos vamos a otra parte.

Como diseñadores ¿tenemos menos responsabilidad con nuestro público que un carnicero? Quien esté interesado en matricular el diseño gráfico, debería notar que la razón de ser de una matrícula es proteger al público, no a los diseñadores ni a los clientes. «No hacer daño» es una advertencia a los doctores que tiene que ver con la relación con sus pacientes, no con sus colegas o con los laboratorios. Si fuéramos matriculados, decir la verdad se convertiría en algo más importante en nuestra actividad.

Autor: Milton Glaser
Fotografía: Catalina Kulczar
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Daniela Gallego es ilustradora de sueños y pasiones. Ha creado un mundo llamado Lulo Febril donde uno como espectador se puede perder poco a poco entre su paleta de colores y la calidez de sus escenas.

"Soy de Bogotá, Colombia, allí me eduque y crecí, pero siempre tuve mucho contacto con el campo (viajaba mucho a la finca donde nació y creció mi madre en La Vega, Cundinamarca y al pueblo en donde vive mi abuela paterna, en el viejo caldas), y estoy convencida de que eso ha determinado de muchas formas la perspectiva desde la cual me aproximo a las cosas.

Soy una mujer con un enclave profundísimo a su familia y creo que de ésa manera explico la manera en que mis recuerdos siempre salen a flote cuando trato de expresarme.

Estudie Diseño Gráfico en la Tadeo, viví y gocé de La Candelaria, de Chapinero, de Bogotá, conocí gente enamorada del arte, del cine, de la música y me enamore de la ilustración. Tome algunos cursos en Casa Tinta con Alejandro Magallanes y con María Fernanda Mantilla, también tome clases de dibujo y de diferentes técnicas (acuarelas, oleos, carboncillo) con amigos artistas y ahora estoy haciendo un posgrado de ilustración en Barcelona, en el Centro Universitario de Diseño de Barcelona.

He participado en diferentes proyectos colectivos e independientes, también en varios concursos, como la convocatoria para el cartel oficial de Eurocine (finalista 2011), Salón Visual de Bacánika (selección 2013), Premio Tragaluz (finalista 2013) entre otros… Ahora mismo estoy trabajando en una novela gráfica.

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Ilustración. Lulo Febril por Daniela Gallego.

 ¿Qué es Lulo Febril?

Una excusa y un motivo. Un pequeño escondite al que le he ido abriendo ventanas; un juego de palabras entre cosas que me gustan: el lulo por lo jugoso y fresco, por su color cálido y traslucido; y lo febril, por cómo suena y porque me gustan los actos apasionados.

Tus obras nos trasportan a mundos oníricos tan delicados como el papel… ¿Cómo llegas a ellos y qué conexiones buscas cada vez que dibujas?

Para mí el proceso creativo, es el resultado de una expedición a tierras desconocidas, lejanas, escondidas y abrigadas en mis recuerdos. Me doy cuenta también, que ellas, son como frutos que caen de los árboles, hasta hacer conciencia en mí y aparecen allí nítidas imágenes de paisajes, gestos, unos cuantos segundos, impávidos y arraigados. La inspiración me llega como como polillas revoloteando alrededor de un bombillo, su sonido, la luz que se cuela entre sus alas y que dejan pasar al vuelo, los viajes en el carro de mis padres, carreteras en la noche del campo, la farolas que iluminan apenas una porción de árboles, de suelo arenoso, los ojos de algún animal salvaje y unos ojos corriendo. 

Estas imágenes llegan como premoniciones o alguna suerte de revelación; algo que aún no se muestra completamente, grabó con ahínco gestos antes incomprensibles y que de repente se vuelven una seña que ilumina en parte mi búsqueda estética, un puente entre lo que antes no sabía y ahora necesito expresar. Por las diferentes formas que adquiere, por los diferentes matices que confluyen en esta biblioteca inmensa que puede ser la memoria particular, ha venido a mí la idea de que no hay escalas pertinentes para nombrar una imagen que susurra, un paisaje…

Desde el astro que representa el volátil bombillo para los insectos alados, hasta mi quimera personalizada: bebiendo algún líquido blanquecino en algún oasis en medio de algún desierto o en el infinito cosmos. Por alguna Razón, salir de mi tierra, de mi casa, de las calles conocidas, ha abierto puertas a lugares mucho más personales, que tal vez se habían refundido en medio de la caótica expectativa o ajetreada costumbre y ha traído a la luz paisajes que han permanecido y permanecerán conmigo como mis minúsculas y añejas neuronas: siempre translucidos y expectantes a un nuevo encuentro con mi lucidez.

 

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'Metáforas' ilustración por Daniela Gallego.

 
¿Lecturas y canciones indispensables para la inspiración?

No tengo ninguna en concreto, vivo muy del lado de la fantasía y me pasa que ando conectada con diferentes hechos aislados como una suerte de mensaje por descifrar, de manera que a veces un libro que empiezo por casualidad habla de algo que he venido soñando y se desata como una bola de algo que crece mientras rueda… pero creo que infaltable para mí: Nina Simone y la salsa: Henry Fiol, Hector Lavoe… y de lecturas Alejandra Pizarnik.

¿Qué textura tiene tu color preferido?

De arbusto, de pasto, vidrioso.

¿De qué artistas, nacionales o internacionales eres admiradora?

Rebecca Dautremer, Aron Wiesenfeld, Pierre-Augute Renoir, Edgar Degas, Einar Turkuwski, me gusta lo que está haciendo Elizabeth Builes, Nicolás de Crécy…muchos que se me escapan.

¿Desde tu experiencia, qué papel cumplen las redes sociales en el trabajo de los artistas hoy en día?

Fundamental. Es una opción eficaz para la autogestión, en ningún momento de la historia fue tan fácil movilizar información como ahora y gracias a las redes sociales es posible llegar a mucha gente en todo el mundo.

¿Cómo saber cuándo usar palabras y cuando imágenes?

Extender las palabras y los recuerdos en los dientes, que se dejen escurrir sus estampados de flores en la lengua; para que se manche, para que se inunde... de flores si, por lo bellas, por lo muchas, porque mueren. Así de entrada y de salida saboreas la primavera sin esperar que regrese.
 
 
 
Para conocer y seguir el trabajo de Daniela:

Web: http://cargocollective.com/DanielaGallego

Facebook: https://www.facebook.com/LuloFebril?fref=ts
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Una definición objetiva en el caso de Garavato sería válida, si lo viéramos únicamente como un ilustrador y diseñador multidisciplinario, de origen colombiano; pero la realidad es por mucho, una dimensión más amplia, complicada y rica en matices para fortuna de todos. En mi opinión personal esta cualidad intrínseca del universo convierte a Garavato en una de las figuras emergentes más interesantes de los últimos años.

Tavo, como lo conocen sus amigos, creció en Girardot, una pequeña ciudad de verano en donde las piscinas, patines, música y lápices, sembraron en él la curiosidad que lo llevaría a vivir como nómada por distintas ciudades del país; alimentando constantemente su pasión por las artes visuales. 

Como buen nómada, a cada ciudad a la que llega Tavo, siempre hay un motivo para pintar o un proyecto colaborativo que vale la pena ver. Lo único que hace falta es seguirle la pista en las redes sociales para sorprenderse con su creatividad desbordada y las decenas de planes que llenan su agenda.

Su curiosidad como artista y diseñador lo han llevado a recorrer Suramérica, vivir durante seis años en Buenos Aires y viajar pintando por Chile y Brasil.

Desde hace varios años le venimos siguiendo la pista a Garavato, sus aventuras, sus viajes y sus proyectos en pro de enriquecer la cultura, de experimentar y de llegar más allá de sus propios límites. Sus trazos fuertes y las líneas gruesas de su pintura retumban al compás de los clásicos del hardcore y el rockabilly, para mostrarnos otra faceta de los animales que inmortaliza en bares, calles y casas. "Lea también: Las ilustraciones de Garavato"

De verdad, me complace verlo el próximo jueves en Behance Colombia Portfolio Review. Es un artista admirable que no desilusiona, tanto por su talento, como por su sencillez y la bondad que lleva en el corazón.

Para los que no lo conocen y quieran saber más de este impresionante artista deberían visitar su portafolio en Behancehttps://www.behance.net/garavato

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Estilo Grolsch.

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Apuesta / Colaboración Kal y Garavato.

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Ilustración para el afiche del concierto de Marky Ramone´s en Colombia.

 

Enlaces:

www.garavato.com

http://garavato.tumblr.com

http://instagram.com/tavogaravato

https://vimeo.com/garavato

http://www.facebook.com/garavato.illustration

https://twitter.com/tavogaravato

http://www.flickr.com/photos/tavobernal/

 

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Behance Network, la red de portafolios online más grande del planeta, presenta la tercera edición de Behance Portafolio Review Colombia, una iniciativa global que busca congregar a la comunidad de creativos de diferentes regiones de todo el país alrededor de las buenas ideas y el trabajo colaborativo.

El próximo jueves 21 de Mayo de 2015, en el Centro Ático de la Universidad Javeriana, arquitectos, diseñadores industriales, gráficos, artistas y fotógrafos, compartirán sus trabajos, experiencias y proyectos frente a la comunidad de miembros de Behance en Colombia y recibirán de parte de expertos asesoría especializada y retroalimentación a la hora de mejorar sus habilidades y desempeño en el mundo laboral. 

Este espacio, creado por Behance Network y traído por Behance Colombia. Busca promover el trabajo colectivo y unir a la industria creativa entorno a un foro de discusión.

Para reservar tu cupo para Behance Portafolio Review Colombia visite su página oficial:  www.behancecolombia.net

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Fotografía y diseño por Andrés Calderón.
 

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‘Diversa’, es la palabra que reúne la obra de Tato Prado, un artista digital que va desde los sentimientos precisos y delicados, hasta las historias más cotidianas y espontáneas. Tato nació en Pasto, Nariño, vivió en Barcelona, estudió diseño visual en la universidad de Caldas y desde siempre le ha gustado dibujar; su formación empírica fue instruida por mangas japoneses y Disney. —“Me gusta dibujar desde que tengo memoria, podía pasar horas y horas dibujando, cuando era más pequeño habían días en los que no dormía por estar rayando. No tuve ninguna formación formal, todo lo que sé lo aprendí de libros para dibujar, copiando personajes de Disney y anime”.


Prado ha participado durante dos años en el Salón de estudiantes del festival de la imagen exponiendo sus ilustraciones y en el año 2013 fue invitado al festival del comic ‘Entreviñetas’ donde expuso junto a la historietista ‘Soy pirata’.

Sus ilustraciones han estado presentes en la exposición del centro comercial ‘El Retiro Itinerante’ en el 2014 y en el evento ‘SOFA’ dentro del Salón visual Bacánika.


¿Quién es Tato Prado?

Tato Prado es un soñador, le gusta soñar con los ojos abiertos, muchas veces estos sueños se convierten en ilustraciones, otras veces en comics cortos, le gusta mucho el sushi, caminar descalzo, poner música fuerte mientras dibuja, el olor a libros y a tierra mojada.

Le gusta el término “artista digital”
 
Tato Prado 01

¿Por qué y desde cuándo ilustras?

No tengo  memoria realmente, empecé desde muy pequeño porque era solo una necesidad de tener una hoja y un papel para plasmar mis ideas, como la necesidad de comer, lo que se me venía a la cabeza, contar historias etc…


¿En qué momento ilustrar, en que momento hacer comics?

Las ilustraciones son un proceso más largo, llevan más tiempo, ilustro cuando me inspiro, cuando necesito plasmar algo que no puedo ver, cuando estoy muy cansado de pensar en la vida real, ilustrar es perfecto, es como salirse del mundo por unas horas, “me gusta como se ve este color” “le falta más expresión” “necesito que este rostro quede perfecto” muchas personas me han dicho que no tienen la paciencia para pasar horas ilustrando, para mí no tiene nada que ver con paciencia, si estuviera en mis manos me quedaría perfeccionando una ilustración hasta que a mis ojos quede perfecta, lastimosamente eso no es posible ya que jamás daría por terminada una ilustración.

Por otro lado están los comics, los hago cuando necesito expresar algo, quiero desahogarme, hacer catarsis, quiero algo rápido y eficaz con lo que la gente se sienta identificada, es como limpiarse por dentro, muchos de mis comics son muy personales, pero esto hace que el público se sienta más cercano a mí y eso es algo que me encanta, me gusta cuando la gente me comenta o se etiquetan en las publicaciones tomando los comics como propios, me llena de emoción que las personas sientan que fueron hechos a su medida, eso es lo que me lleva a hacer comics.


¿Quiénes/Cuáles han sido tus referentes e influencias?

Cuando era pequeño estuve muy influenciado por las películas de Disney de las cuales  aún soy fan; cuando estaba más grande descubrí el anime y el manga y por esa época en Barcelona era uno de los lugares en donde más manga y anime podías encontrar, fue la época de comprar libros para aprender a dibujar en donde los devoraba en pocos días, poco a poco decidí dejar atrás estas estéticas para empezar a crear un estilo propio,  empecé a estudiar diseño y esto hizo que abriera los ojos hacia la pintura clásica, me gustan los trazos del óleo en el bastidor, el arte clásico de la pintura. Algunos de los pintores a los que he tomado como referencia son; Francis Kupka, Fritz Zuber Buhler, Malcolm Liepke. Creo que aún se pueden ver rastros de estas estéticas y es lo que más marca mi estilo en este momento.

Ilustradores nacionales o internacionales que nos recomiendes.

Ilustradores nacionales, me gusta mucho el estilo de Felipe Bedoya y no puedo dejar de mencionar a ‘Soy pirata’. Internacionales me gustan muchísimo Kris Knight y Laura Laine.

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¿Cuál es tu color favorito? ¿Cómo suena este color?

Mi color favorito es el azul, no sé qué tiene este color pero me encanta usarlo para mis ilustraciones, suena a la brisa del mar en el trópico.
 

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¿Cuál es la  banda sonora de tu obra?

Si mi obra en general tuviera una banda sonora, me gustaría que fuera el álbum 'Illumination' de Miami Horror.


¿Alguna pregunta que le quieras hacer a algo o alguien?

Quisiera preguntarle a mi computador por qué es tan caprichoso, últimamente está en una etapa de adolescente intocable inmamable.


 
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