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Publicado en Escultura

 

Nacido en Sidney, Australia, y criado en Waihi Beach, Nueva Zelanda. Ben Young es un artista autodidacta que ha estado sorprendiendo al mundo con sus esculturas en vidrio por más de diez años. Durante años surco las olas en la bella Bahía de Plenty, aquel lugar al que debería más adelante su prolífica carrera como escultor.

Young es un surfista entusiasta y un constructor de barcos nato, que encontró en el arte un medio de expresión para plasmar su admiración por el océano y las olas perfectas. El mar es su fuente de inspiración primordial, un punto de partida y punto final. Su obra está llena de referencias a él, retratando aquellos lugares que visitó como hombre de mar y que inmortalizaría como artista. Desde el solitario Monte Maunganui en Nueva Zelanda hasta la celebré Isla Mayor en España; paisajes que representaría en esculturas de vidrio que fabricaría con sus propias manos.

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© Ben Young - Behance 2015

Algunos pueden decir que les parece simple, pero el trabajo de este joven artista es de suma complejidad. Sin utilizar algún tipo de máquina que le asista a culminar su obra, cada pieza es dibujada, cortada y ensamblada capa por capa con rigurosidad por la mano del artesano.

Sobre su labor, Young comenta. —Yo trabajo con formas bidimensionales y tengo que encontrar la manera de traducir eso en una escultura tridimensional. A veces mi punto de partida cambia dramáticamente a medida que las formas se limitan, no puedo crear cualquier ángulo recto interno, así que tengo que encontrar una manera de estratificar el vidrio para crear ciertas formas, lo que se traduce en un verdadero reto—.

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© Ben Young - Behance 2015

—Me encanta ver como las formas en dos dimensiones evolucionan en una creación tridimensional y como la luz juega en el interior del cristal. Me encantan las cualidades que el cristal líquido trae consigo. Esto me permite jugar con la iluminación, examinar nuevos ángulos y ver cómo reacciona el cristal— concluye el artista.

Para más información sobre el trabajo de este artista destacado visite su portafolio en Behance.

Publicado en Tecnología
 
"Esculpir pedazos de madera casi como si fueran de arcilla. Ese es el objetivo de Happaratus Power Glove"
 
Morten Grønning es un diseñador graduado de la Royal College of Art que creó Happaratus, un guante con almohadillas abrasivas en la punta de los dedos que permite moldear materiales como la madera, la arcilla o incluso la piedra.

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El diseñador tomó el mecanismo de un cuchillo eléctrico para este proyecto que explora una nueva forma de crear usando las manos para moldear directamente en materiales duros.

Grønning ha construido ya una serie de prototipos más refinados, que cuentan con un par de almohadillas de papel de lija de vaivén que son capaces de esculpir materiales como la madera de balso, arenisca y yeso. En el futuro se espera desarrollar una versión del guante con cuchillas intercambiables mucho más resistentes.

Estas cuchillas estarían conectadas a un motor eléctrico en la parte posterior del guante a través de ejes flexibles a lo largo de los dedos. Se espera que con mayor desarrollo, sea capaz de producir un sustituto mucho más táctil para herramientas eléctricas convencionales. Notable.

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Funte: Da-Vinci (Brasil)
Publicado en Diseño Industrial

Arthur Kenzo, es un prolífico diseñador industrial francés que decidió realizar una investigación morfológica sobre los efectos que el sonido tiene sobre la materia.

El proyecto denominado ‘Sound Sculpture’ tiene como objetivo reflejar dicho estudio, en donde se capturó por medio de una representación plástica las ondas vibratorias de la música en tres esculturas de madera. 

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Publicado en Arte

Hasta el 12 de Julio en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, se presenta la exposición ‘Bogotá: Belleza y Horror’ con la participación de 50 artistas nacionales y 10 colectivos.

En la exposición los espectadores podrán evidenciar a través de pinturas, esculturas, videoinstalaciones, murales, fotografías y performance, algunas de las percepciones de diferentes artistas respecto a la belleza y los horrores de la ciudad.

El MAMBO invita a disfrutar de un diálogo creativo entre lo que cada uno responde y lo que los artistas responden con sus obras. Pensar en la ciudad, inspirarse en ella y llegar a determinadas conclusiones. Al fin y al cabo, Bogotá es una ciudad que siempre dará de qué hablar. Su variedad de turistas, mendigos, personas, días nublados y mañanas con sol hacen parte del diario vivir y esta exposición lo reflejará.

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BOGOTÁ BELLEZA Y HORROR

 

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El objeto realizado por el artista plástico Thomas Medicus, fue concebido con 160 piezas de vidrio. La escultura pensada de forma similar que las famosas esculturas de Alexander Calder, incluye un movimiento de rotación que le permite a las imágenes en cada una de sus caras crear diferentes figuras animales.

Más info: thomasmedicus.at/

facebook.com/thomas.samot

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Salavat Fidai, es un artista experimental ruso obsesionado con los pequeños detalles de la vida. Entre sus trabajos más importantes encontramos una serie de esculturas en grafito, moldeadas en  las puntas de los lápices con los que dibuja, así como pinturas al óleo en semillas de calabaza, frutas y cualquier otra superficie inimaginable, capaz de sacarte una sonrisa por su ingenio y creatividad.


Portafolio de Behance: https://www.behance.net/salavatfidai

Instagram: https://instagram.com/p/yXoZB9s9Bf/?modal=true

Publicado en Arte
Con una impresora 3D la artista francesa Julien Maire, creó 85 estatuillas con resina liquida para que la luz pueda ser proyectada a través de ella. Estas figurillas son amplificadas en tamaño y escala al ser atravesadas por la luz de un proyector, generando una curiosa película a partir de estas curiosas esculturas de un hombre cavando.

Maire realizó el trabajo mientras estaba de residencia en el Centro IMAL de Culturas Digitales y Tecnologías en Bruselas.

A continuación alguna imágenes de la obra de esta impresionante artista.
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Anders Krisár es un artista visual nacido en 1973, en Estocolmo, Suecia. Su obra se ha expuesto de manera individual y colectiva en los Estados Unidos, Europa y Rusia. A pesar de haber decidido entrar en el mundo de las artes casi a sus 30 años, Krisár ya cuenta con un gran reconocimiento en el panorama de la fotografía y la escultura. Su obra ha sido descrita como  “hermética, incluso mórbida, jugando como lo hace con la fundición, los moldes, y la deformación”.

“Flesh mirror”  ha sido su más reciente exposición, compuesta por fotografías y esculturas.  Tuvo lugar en la galería Christian Larsen de Estocolmo desde el 15 de Mayo hasta el 15 de Junio, 2014.

La serie de fotografías, llamada “Nubes Flesh”, son fotogramas a gran escala donde Krisár captura las sombras de personas en movimiento. Esto lo logró proyectando luz directamente sobre el papel fotográfico en un cuarto oscuro, mientras las personas pasaban frente a esta.

Dentro de las piezas de escultura se encontraba “Mirror man”. Un espejo en forma de silueta humana se enfrenta  con un lienzo color piel, un símbolo de como nuestras identidades y personalidades se definen por lo que vemos en nuestro entorno”

“Flesh Mirror”, es el nombre no solo de la exposición, sino del segundo grupo de esculturas presentadas. Estas son esculturas realistas con  superficies limpias y muy pulidas, de cuerpos humanos divididos donde Krisnár muestra un profundo sentimiento de pureza absoluta.

Expresa Krisár en una entrevista con respecto a la publicación de su libro fotográfico Acordes 1-17: “Quiero alcanzar la pureza absoluta, para representar un mundo sin gente ni pensamientos”,  y es este el concepto que claramente se ve plasmado en su obra, donde encontramos esculturas de seres humanos expuestos de la manera más pura y trasparente, desnudos y sin sexo, y al mismo tiempo,  un cuerpo divido en mitades, alterando el orden preconcebido de este mismo, manteniendo el sentimiento de pureza y belleza.

Las cosas sólo se pueden entender correctamente cuando se capta su espíritu mismo con pureza, lejos de las palabras e imágenes que las representan.

Kenzaburo Oe, escritor japonés.
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Esta muestra excepcional abarca a dos artistas en particular que además de realizar increíbles obras de arte, utilizan como materia prima desechos y residuos que transforman en piezas únicas y originales. Estos dos artistas nos muestran como a partir de cualquier cosa, incluyendo objetos que aparentan ser inservibles, se pueden obtener grandes resultados cuando son aprovechados al máximo.

Tom Deininger es un artista norteamericano que realiza sus obras partiendo de la basura que acumula durante cierto tiempo en su taller. Con este material se dispone en la labor de acomodar las piezas teniendo en cuenta el tamaño y color a la hora de realizar sus obras que principalmente abarcan retratos y paisajes. Su trabajo cuenta con una gran expresión y sensibilidad, la cuál pareciera imposible de alcanzar, si no es utilizado un lienzo y un pincel. Sin embargo él a través de sus esculturas, logra plasmar hasta el mínimo rasgo de expresión, especialmente, cuando trabaja sobre los rostros de sus obras, que resultan ser auténticas formas de arte.

El trabajo de él siguiente artista que queremos resaltar, cuenta con un gran prestigio entre coleccionistas y museos al rededor del mundo. Conocido como Dario Tironi, este italiano realiza su trabajo reacomodando juguetes, aparatos electrónicos y piezas de objetos olvidadas. Con este material, construye esculturas en tamaño real de personas y animales. Sus proyectos son tan imaginativos, que tienen como intención ponernos a reflexionar sobre la contaminación que a generado la tecnología y nos muestra una nueva posibilidad de darle vida a los objetos que quedan en el abandono.

El gran trabajo de estos dos artistas demuestran que nada es basura y que todo sin importar que sea, puede tener una segunda oportunidad, el valor de un objeto no esta solamente en su costo, sino que también con algo de creatividad, se le puede retribuir el valor artístico que transforma estos objetos en algo completamente unico e irreproducible.

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