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Publicado en Proyectos

Familiar y poco convencional al mismo tiempo. Así es el carismático y enigmatico proyecto de la semana. El reconocido Nuevo Museo de Arte de Nueva York proyectado por la célebre firma de arquitectos japoneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (mejor conocida como SANAA) en el año 2007.

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La galería fluctua entre algunos de los estilos más tempranos del modernismo hasta el modernismo tardío (etapa actual del movimiento moderno) esperamos que la disfruten.
Publicado en Arquitectura
 

Te invitamos a darte un champuzón en las mejores piscinas del mundo.

Publicado en Arquitectura

 

LA RECOPILACIÓN DE LOS DISCURSOS DEL PREMIO PRITZKER BRINDA UN RETRATO DE UNA PROFESIÓN POLIÉDRICA.

A no ser que rompamos con nuestra dependencia de lo real y nos demos cuenta de que la arquitectura es un camino para reflexionar sobre cualquier tema, desde el más político al más práctico; a no ser que nos liberemos de la eternidad para poder especular sobre problemas urgentes e inmediatos, como la miseria o la destrucción de la naturaleza, nos arriesgamos a que la arquitectura no llegue a 2015”. Rem Koolhaas dijo esto en el Parque Arqueológico de Jerusalén hace 16 años, cuando él, con 56, recogió el Premio Pritzker, el premio de arquitectura más importante del mundo. Lo que el holandés haya hecho desde entonces no le resta capacidad adivinatoria: claro la arquitectura ha llegado hasta 2016, pero lo ha hecho tocada. Un repaso a los discursos de aceptación de los arquitectos más reconocidos del mundo permite intuir esa deriva. O esa evolución.

EL ESPACIO VIRTUAL Y EL MUNDO REAL

A Koolhaas, autor de la sede de la televisión china en Pekín, le preocupa el espacio virtual y la defensa del mundo. Con esa misma ambición, el autor de la T4 de Barajas, Richard Rogers, afirmó que los arquitectos tienen no pueden ser apolíticos y tienen que comprometerse . Y el portugués Eduardo Souto de Moura añadió “los arquitectos tenemos que cambiar”. ¿Cómo? Souto sugiere atender a los caracteres chinos que componen la palabra crisis: el primero indica peligro, el segundo oportunidad.

EL DISCURSO UN RETRATO DE VALORES

Así, el libro Premios Pritzker Discursos de aceptación, 1979-2015 (Fundación Arquia), editado por los profesores de la Escuela de Pamplona, Rubén A. Alcolea, Héctor García-Diego, Juan M. Ochotorena y Jorge Tárrago es un pequeño tratado en el que la disciplina da explicaciones al mundo. Y un retrato de la evolución de los valores asociados a esa profesión. Por eso todos los premiados terminan retratados. Desde el primero, Philip Johnson —un arquitecto más influyente por las exposiciones que organizó en el MoMA que por lo que construyó— cuando declaró que “el premio no es para mí, es para el arte de la arquitectura” hasta Renzo Piano, que declaró su oficio “un arte socialmente peligroso” cuando recogió su galardón en 1998.

En el apartado biográfico, la dificultad de los comienzos no hace referencia a la falta de medios sino al miedo a imitar. El autor de la Torre Agbar de Barcelona, Jean Nouvel, se esfuerza en explicar por qué cada uno de sus edificios es diferente y recurre a Michel Foucault para recordar que “el futuro de la arquitectura no es arquitectónico”. Piano busca en la ciencia. “Para ser un científico el arquitecto debe ser un explorador y no temer la aventura. Crear significa intentar agarrar algo de la oscuridad, abandonar las referencias”. Y el único Pritzker español, Rafael Moneo, denuncia el peligro “de creer que la arquitectura es simplemente el reflejo la cultura de un momento”. Cuando él lo recibió, en 1996, aseguró que muchos arquitectos buscaban “expresar movimiento en lugar de estabilidad”. El suizo Peter Zumthor dijo algo parecido pero haciendo autocrítica: “Era terrible. En mis edificios podía oírse el debate arquitectónico del momento. Era la última vez que no era yo mismo”.

Un caso especial es el de Luis Barragán. El discurso de aceptación del mexicano es un testamento. Tal vez por eso es uno de los más esforzados. En él reconoce una obra que resume en belleza, silencio, soledad, alegría, jardines y muerte: “la certeza de la muerte es fuente de vida”.

De “la arquitectura es un arte” del austriaco Hans Hollein, al “espacio para el ser humano, soporte de su dignidad” del alemán Gottfried Böhm, la elocuencia de Rem Koolhaas resume su personal historia de la arquitectura entre dos polos. El de los grupos y movimientos —la arquitectura ideológica de los años 50— y el de las identidades singulares medio siglo después: “Nos respetamos mutuamente, pero no formamos una comunidad”. “El cliente ya no es el estado sino individuos privados que”, atención, “a menudo se aventuran en propuestas con una ambición desmedida y una ejecución carísima” dijo el holandés en 2000. Es cierto que continuó reconociendo que los arquitectos acogen esas propuestas con los brazos abiertos, pero ¿de verdad piensa que son los clientes los que proponen y los arquitectos los que disponen y no que funciona al revés?

En un tono más personal, el australiano Glenn Murcutt confiesa haber suspendido la asignatura “soleamiento y protección solar”, el tema en el que terminaría siendo un especialista. “El fracaso es una magnífica forma de aprender” dijo antes de repetir un consejo de su padre: “Recuerda que debes comenzar como te gustaría terminar”.

TIRAR MUROS

 En esa línea autobiográfica, el noruego Sverre Fehn se fue a Marruecos a estudiar la llamada arquitectura primitiva. “No es un viaje de exploración en el que descubras cosas nuevas, las reconoces”. Y el japonés Toyo Ito asegura que su trabajo “siempre ha tratado de echar abajo el muro que separa la arquitectura moderna de la naturaleza”. Es, sin embargo, de nuevo Piano, el que hace “una llamada a la dignidad de nuestra profesión. Sin esta dignidad corremos el riesgo de perdernos en un laberinto de modas y tendencias”, dijo el autor del Pompidou que, conviene recordarlo, se inició como Shigeru Ban realizando para la Unesco arquitecturas de emergencia.

El brasileño Paulo Mendes da Rocha fue el primero en reivindicar que la paz sea la piedra angular de la arquitectura. Pero fue el único Pritzker chino, Wang Shu, quien en 2012 puso el dedo en la llaga explicando su obsesión: “¿Están mis edificios arraigados en mi propia cultura? ¿Cómo puede un simple arquitecto mantener una actitud y una forma de trabajar opuestas al poderoso y omnipresente sistema moderno?”. La respuesta es un clásico: no puede. Le queda el esfuerzo de intentarlo alumbrado, o cegado, por el convencimiento. A eso se dedican Wang Shu y su socia, Lu Wenyu.

REDACCIÓN 

TOMADO DEL PERIODICO EL PAÍS, ESPAÑA, 2016.

Publicado en Arquitectura

 

Se dice que el cine recoge todas las demás formas de arte, sin duda la arquitectura es una de las claves para el peso visual de la composición de cada fotograma de las películas. A continuación veremos una lista de películas que están directamente ligadas con el diseño, la arquitectura y el urbanismo.

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1. Apuntes de Frank Gehry - DirSydneyPollack / 2005
 
El Director SydneyPollack crea su primer largometraje documental sobre el famoso arquitecto Frank O. Gehry.
 


Se basa en el carácter intimista de las conversaciones entre los dos hombres y con otros participantes. La película no trata de una teoría arquitectónica agonizante, sino en la capacidad que tienen ciertos artistas de abrir nuevas perspectivas sobre la vida y los procesos creativos.

Para empezar, esta es una película que desde sus inicios liga al arquitecto con el artista, pero no solamente en su interior hablando de la capacidad de Frank Gehry para comprender los dos dentro de su ser, sino que también entabla la relación Arquitecto – Cineasta. Frank y SydneyPollack se proponen la tarea de plasmar en un espacio bidimensional como lo es la película, grandes obras maestras conocidas además por su diversidad de volumen, admitiendo que uno no sabe nada de cine y el otro nada de arquitectura. Lo que los une como amigos y creadores es una preocupación que atañe a todo el mundo creativo, y es la posibilidad de una expresividad personal dentro de los límites de lo comercial. 

Frank dio sus primeros pasos tomando clases de cerámica, creo que de ahí viene su facilidad para ver el potencial de las formas, sin importar de donde vienen, pues encuentra inspiración en todo lo que lo rodea, pero el momento en que decide estudiar arquitectura es gracias a un recuerdo que tiene con su abuela de cuando construían casitas y edificios con pedazos de madera picada que usaban para prender el fogón. Estas enseñanzas se ven en la película, todavía aplicadas en su proceso de creación, sus maquetas hechas a partir de papel y cartulina, llenas de corrugaciones y pedazos de cinta que arman la pieza inicial, demuestran la gran escuela artesanal por la cual abogan los arquitectos ejemplares, teniendo en cuenta que las herramientas de la tecnología y sus avances han facilitado las cosa y agilizado muchos procesos, en el caso de Frank Gehry simplemente sirven como una extensión del trabajo que hace en papel, facilitándole creaciones más esculturales con mayor precisión a la hora de pasar a la fase de la ingeniería. 

Uno de los personajes más importantes dentro de la película es el de su psiquiatra quien lo ayudó progresivamente a mejorar las relaciones interpersonales de Frank a su vez mejorando su capacidad de osadía, sus ganas de atreverse a más. 

“Frank es consciente de que la razón de ser de un artista es ese momento en la mirada de alguien cuando lo alcanzas” 

Para Frank, como nos lo cuenta en la película,  los materiales definen la arquitectura , además del diseño, pues en el modernismo la decoración es un pecado, lo cual hace que él se pregunte cómo es posible entonces humanizar un espacio, un lugar?

El trabajo en equipo, la relación con los materiales, la terquedad y el empuje personal son cosas de peso que vemos en el trabajo del arquitecto a través de este documental que nos hace reflexionar en la fragilidad con que se descubren las cosas que tienen un gran significado en la vida.
 
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2. La vida es un soplo: Oscar Niemeyer - Dir: Fabiano Maciel / 2007 
 
“La vida es un soplo. Todo acaba. Me dicen que después que yo muera, otras personas verán mi obra. Pero esas personas también morirán. Y vendrán otras, que también se irán. La inmortalidad es una fantasía, una manera de olvidar la realidad. Lo que importa, mientras estamos aquí, es la vida, la gente. Abrazar a los amigos, vivir feliz. Cambiar el mundo. Y nada más”. — Oscar Niemeyer.

Este es un documental sobre el arquitecto brasileño, uno de los más importantes del siglo XX. 



El director Fabiano Maciel, también brasileño, sigue la trayectoria de Niemeyer, sus primeras oportunidades, su trabajo junto a figuras de la talla de Le Corbusier o de su compatriota Lúcio Costa. Vemos así su participación en el edificio neoyorquino de Naciones Unidas, sus aportes a la moderna Brasilia, incluida la catedral, el museo de arte contemporáneo de Niterói, la universidad de Argel, la sede del partido comunista en París, etc. Mostrándonos estos espacios de gran belleza, con soluciones transformadoras y  extraordinario uso de las líneas curvas.

Con revelaciones del propio artista, vamos absorbiendo la forma en que enfoca su obra, el deseo de atrapar la belleza y sorprender a las personas con sus construcciones. No hay que empeñarse con la funcionalidad, dice Oscar Niemeyer, pero le parece importante en cambio, innovar, sorprender, ofrecer soluciones diferentes. Además de las declaraciones del arquitecto,  vemos testimonios de personajes que lo conocieron como José Saramago y Eduardo Galeano.

Saramago, otro comunista y humanista, habla sobre la integridad y la coherencia del arquitecto, y Galeano lo pone todo cabeza abajo y asegura que Dios se inspiró en el arquitecto cuando creó la geografía de Río de Janeiro.

"Es conocido que Oscar Niemeyer odia el capitalismo y odia el ángulo recto. Contra el ángulo recto, que ofende el espacio, él ha hecho una arquitectura liviana como las nubes, libre, sensual, que es muy parecida con los paisajes de las montañas de Río de Janeiro, montañas que parecen cuerpos de mujeres acostadas, diseñadas por Dios el día en que Dios creyó que era Niemeyer". — Eduardo Galeano.

Maciel logra adentrarnos en como es el artista, sus maneras humanistas reflejadas en sus inquietudes sociales, la influencia de las raíces católicas de su familia, el amor por la mujer, su trato cercano con Rio de Janeiro, la relación con el comunismo y más que nada sus gan
as de construir un mundo mejor.

 

 
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3. How much does your building weights Mr. Foster? -Dir: Carlos Carcas / Norberto López Amado / 2010
 

 

De entrada vemos que este documental quiere tratar más la forma que la palabra, de manera muy contemplativa vemos varios edificios y diseños creados por Norman Foster, un arquitecto que disfruta del silencio y la observación durante sus hobbies preferidos como lo son el ski, la aviación y el ciclismo. 

Al hablar de la influencia que sus padres tuvieron en él, lo primero que resalta es la ética laboral, una constante disciplina lo llevaría a elaborar su propio portafolio para entrar a la universidad sin tener muchos conocimientos previos en dibujo y perspectiva. También, la pasión por los modelos, ya sea de aviones, barcos, casas, edificios y puentes.  

En el documental vemos como el artista valora la dimensión poética de la arquitectura y resalta como “hemos olvidado que las cosas útiles pueden verse hermosas también”, así rediseña lugares importantes en la historia de un país ayudándolos a ser un lugar propicio para una experiencia más agradable para el que lo visite.

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Lo más importante de esta película es la visión global que tiene el arquitecto, al mostrarnos el viaje de su vida, el momento en que salió de Inglaterra y sus primeros avistamientos de los contornos de las ciudades más grandes de Estados Unidos, y como esto le dio una perspectiva sobre la función de un edificio en el imaginario colectivo de una ciudad, su importancia iconográfica más allá de la función. 

Para hacer esto posible, el arquitecto da algunas ideas, lugares de inspiración como lo son las economías de países emergentes y sus iniciativas audaces, para así darle forma al futuro de una ciudad. 

El arquitecto aboga mucho por un cambio masivo basado en la sostenibilidad, analizando el papel de los campesinos y su desplazamiento en las últimas décadas hacia la ciudad, cuestionando así el urbanismo, la movilidad y la huella de carbono, impacto ecológico que crece a medida que los hábitos de vida cambian rápidamente con el mundo.

“Hemos despertado a tiempo? O es demasiado tarde?”. 
— Norman Foster.

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4. Metropolis - Dir: Fritz Lang /1927
 
Fritz Lang, muy adelantado a su época, plantea en esta película de ficción una realidad urbana caótica, ubicada en el 2026 en una ciudad estratificada, se pueden reconocer distintos niveles de la sociedad, cada uno representado con una arquitectura diferente. Los elementos arquitectónicos utilizados en la película refuerzan la idea del director, aportando con un lenguaje formal algo que es netamente ideológico.
 
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La sociedad se ha dividido en dos grupos antagónicos, la más antigua de las duplas: una élite de propietarios y pensadores, aquellos que viven en los grandes rascacielos y pueden disfrutar de los paisajes urbanos (de impresionante diseño) y una gran masa de trabajadores, con una vida subterránea y que trabajan sin parar para poder mantener el modo de vida de los de la superficie. 

Era necesario que alguien de la élite como Freder (que no es cualquier persona, sino el mismísimo hijo del presidente) fuera testigo con ojos propios de las condiciones de vida que soportaban los del inframundo para que decidiera unirse a los esfuerzos de María, una obrera que quiere lograr la paz entre las dos clases sociales mediante el amor. 

Con el lema “MittlerzwischenHirnund Hand muss das Herzsein” (mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón), Frederer demuestra que la capacidad de amar del Ser Humano puede reunir a la razón, la fuerza y el trabajo para modificar el mundo a nuestro alrededor.
 
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El expresionismo alemán llega a su momento más alto con “Metrópolis” donde la arquitectura se inserta de manera esplendorosa en el film, recreando la división entre el mundo subterráneo de los trabajadores, con sus arquitecturas sombrías y opresivas, y la superficie o la parte alta de la ciudad, dónde acentúa un estilo monumental que hace referencia al Art Decó de los rascacielos de Nueva York, recordando un poco el trabajo de Bruno Taut, una influencia que Fritz Langa admite en su obra, y no solo esto, además vemos todo tipo de estilos, desde catedrales medievales, construcciones orientales, etc. 

Fritz Lang tenía muchos conocimientos arquitectónicos, algunos provenientes de la enseñanza de su padre, otros de un tiempo de estudio en Viena, este saber específico ayuda a que los decorados de “Metrópolis” nos presenten las corrientes arquitectónicas destacadas en el momento, nos permite reconocer el futurismo en el movimiento constante de las máquinas; la arquitectura racionalista de la Bauhaus,  la fusión entre arte e ingeniería, la uniforme ciudad de los obreros con todas las personas haciendo los mismo movimientos en el mismo momento, coreográficos,  y sus habitantes todos vestidos igual

Pero no solo por sus decorados es considerada como una película expresionista, las composiciones de planos que realiza Fritz Lang: con encuadres donde predomina la diagonal, la tensión compositiva y el uso de luces y sombras exagerado, haciéndonos más fácil la tarea de ligar esta obra con otras expresionistas, como lo son ”El gabinete del Doctor Caligaryy “El Golem
”.
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5. BladeRunner - DirRidley Scott / 1982 
 
La película sucede en una versión distópica de la ciudad de Los Angelesen el mes de noviembre del 2019, donde vemos un futuro en el que seres fabricados a través de ingeniería genética (replicantes) son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Un grupo de replicantes escapa y llega hasta la Tierra, convirtiéndose en una amenaza, teniendo que recurrir de un experimentado BladeRunner, Rick Deckard (Harrison Ford), para atraparlos.

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Ridley Scott construyó la imagen de manera que expresara las sensaciones en ese mundo, donde las nuevas tecnologías se sobreponen a las decadentes y viejas glorias del pasado, la masa social se agrupa en megapolis, y el individuo se siente solo y abandonado bajo el control del poder de las clases dirigentes, contemplando con tristeza y melancolía la lluvia ácida recurrente en todos los escenarios. 

Esta película, basada parcialmente en la novela escrita por Philip K. Dick  ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Muestra una relación íntima y profunda entre su diseño y la trama mostrando una arquitectura futurista alejada de edificios de última generación y basada en una ecléctica combinación de la Arquitectura Clásica y sin arraigos. Por ejemplo, los edificios de apartamentos donde residen las colonias de personas de todas las razas y regiones, están inspirados en la Arquitectura Maya y a su vez conviven en un paisaje urbano en el que se mezclan columnas griegas y romanas como un recordatorio de la ciudad perfecta o del paraíso perdido. 

El urbanismo en BladeRunner es decadente, lo que hace que inmediatamente pensemos en un estilo cyberpunkmarcado por un neo-liberalismo 
llevado al extremo, así en los edificios  destacan los anuncios publicitarios y las luces de neón en continuas incitaciones al consumo desacerbado y al placer. 

La representación de Ridley Scott del contexto urbano tiene más que ver con el presente actual que con la época en la que BladeRunner fue realizada. El futuro de BladeRunner no es un futuro de formas elegantes, tecnología fiable y maquinaria espacial, sino de máquinas de tarjetas de crédito, vídeo-teléfonos y otros dispositivos con los que contamos ahora, pero de aspecto maltrecho.

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Las fuentes de inspiración para los escenarios y decorados de la película fueron muy variadas, Ridley Scott afirma que la escenografía urbana se conformó en base a un conjunto de imágenes: Edward Hopper en pintura, el skyline de Hong Kong por la noche, Nueva York, los paisajes industriales de Tyneside y Teesside de la infancia del propio Scott, y, con toda claridad, la película Metrópolis, de Fritz Lang.

El director también decide ambientar la acción en diferentes edificios de patrimonio histórico de la propia ciudad de Los Angeles. Son sobretodo dos los que más destacan, la Ennis House, que sirve como vivienda del protagonista Rick Deckard y los Almacenes Bradbury, residencia también de uno de los personajes más relevantes de la historia J. F. Sebastian, un ingeniero genético.

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Norman Foster uno de los arquitectos icónicos de nuestro tiempo, aconseja a los jóvenes artistas y arquitectos que se pregunten: -Si lo que están haciendo en su vida es su verdadero deseo y si este no es su caso, les recomiendo que no pierdan tiempo y busquen esa pasión en otro lugar y vayan por aquello que realmente se ajusta a lo que quieren hacer en la vida.

Norman Foster (1967) es un arquitecto y diseñador británico, considerado como una de las figuras más prolíficas de su generación. Es el fundador de la firma Foster + Partners y ha sido el responsable del diseño y la construcción de renombradas edificaciones en todo el mundo como: el London City Hall, el Millenium Bridge (London), el Reichstag en Berlín, el Metro de Bilbao, la Torre Hearst en Nueva York y el Aeropuerto Internacional de Hong Kong.

Ha sido galardonado con los máximos reconocimientos de la arquitectura mundial, el Premio Pritzker (el equivalente al premio nobel de arquitectura), El Aga Khan for Architecture (el premio más antiguo de la arquitectura mundial), La medalla Minerva por sus aportes a la civilización y fue nombrado caballero por la Reina Isabel en 1990.

Esta entrevista fue conducida por Marc-Christoph Wagner en su hogar en Suiza en Abril de 2015.
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Con el fin de garantizar el paso de la luz a todos los edificios de la zona de 'Gasometers' en Viena, la oficina de arquitectura MVRDV diseñó una torre de 110 metros con un giro trenzado en su base para solucionar el reto que impusieron los organizadores del concurso de la torre en Hochhaus.

La edificación de uso mixto, contempla una distribución equitativa para las unidades de vivienda y de oficinas para variedad de negocios. El diseño de los primeros pisos conserva la escala del contexto urbano, alcanzando los 18 metros de altura, la cintura del edificio, favorece la iluminación de las edificaciones de menor altura en la zona, así como el desvío de los vientos otoñales hacia la plaza y la zona del metro.

LA torre se se construirá entorno a columnas compuestas y lozas de hormigón armado. La fachada de acero y vidrio, contempla ventanería pivotante de piso a techo.

El inicio de la construcción está previsto para inicios del 2016, finalizando en el 2018.

Fuente: Designboom

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El concepto creado por Kouichi Kimura Arquitectos está basado en una práctica local de Sega - Japón que utiliza un lote vacío para acoplarse a una serie de cuerpos con aberturas estratégicamente colocadas.

La idea de tener una casa con buena entrada de luz, cerca al lago y que al mismo tiempo mantenga la privacidad de los vecinos, es una de las condiciones más importantes al momento de diseñar este tipo de viviendas con objetos sobrepuestos afirma el jefe de diseño de Kouichi Kimura arquitectos.

La variedad de formas y escalas crean una cadena de espacios diferentes, desde habitaciones abiertas a largos rincones y verticalmente expansivas, la mezcla de elementos que crean contraste y son mutuamente potenciadores del interior.

Conozcan más de este proyecto en la página web de Kouichi Kimura arquitectos.

 

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